jueves, 29 de septiembre de 2011

The Originals: El sentido de Pertenencia

Saludos, lectores. Presentando un post nuevo en Comicología. Un post que espero disfruten y recomienden si creen que lo vale.

En esta ocasión les traigo una reseña, recomendación y sencilla reflexión personal sobre uno de los trabajos del aclamado Dave Gibbons, conocido por muchos por su trabajo en Watchmen, con Alan Moore.


Un trabajo excelente y muy recomendable, a mi manera de ver: The Originals.


Situada en un futuro posible en lo que sería Inglaterra, la vida cotidiana no ha cambiado mucho a lo que en tiempos pasados ofrecía: violencia, glamour, tecnología y los mismos sentimientos que el ser humano ha proyectado desde su primera aparición; sentimientos como la amistad, el amor y la ira.

Publicada por la línea Vertigo de DC Comics -la línea editorial para lectores que se cansaron de los súper héroes y donde de vez en cuando aparecen en sus títulos- en el año de 2004; The Originals pasa ser una visión de Dave Gibbons sobre las llamadas sub-culturas de la juventud de los años 60 en Inglaterra; Gibbons crea una historia basándose en la lucha eterna de los mods y los rockers de aquellos días de su juventud situándola en un futuro donde ahora se llaman The Originals (mods) y Hovers (rockers).

La historia, para no darles detalles y se acerquen a esta obra, la resumiré de esta manera:

Dos amigos de la escuela (Lel y Bok), terminan sus estudios y su máxima aspiración es pertenecer al grupo the Originals; un grupo de esos rebeldes, callejeros y señalados por la sociedad que destaca por traer las mejores scooters, las mejores vestimentas, la mejor droga, las chicas más lindas, etc. Lel y Bok hacen lo que pueden para llamar la atención del grupo y finalmente son aceptados.

Ambos tienen aspiraciones que llegan a lo banal, pero nunca pierden el arraigo de la amistad, del saber que pertenecen a un grupo que nunca los traicionará y de sentirse, por fin, importantes. Pero Lel sabe perfectamente qué busca al ser un miembro de The Originals. Como suele pasar en este tipo de historias, Lel conoce el amor en una chica que lo acompaña a donde sea que vaya con sus nuevos amigos, en sus scooters. El status que Lel y Bok han obtenido por ser Originals no debe perderse por ningún motivo; Lel comienza a trabajar como traficante de drogas para el líder de la banda (el líder que vemos un par de veces y nunca es amenazado por algún miembro de la otra banda) y obtener dinero para solventar sus gastos, parrandas y scooters. Él sabe lo que quiere para sobresalir.

Existe otro grupo: los Hovers. A diferencia de The Originals, ellos visten con mezclilla, traen el cabello largo, la barba a medio crecer y chamarras de cuero; todo un cliché del rockero rebelde de los años sesenta. Tanto Hovers como Originals tienen ese sentido de arraigo hacia el grupo y ambas bandas tratan de sobresalir de la otra. La tensión entre las dos bandas se va desarrollando conforme la historia de Lel y Bok es contada; hasta que llega un momento en donde las cosas se salen de control y no solamente uno de los actores de esta historia llega a perder...



The Originals no es una historia pretenciosa. La historia es sencilla, entretenida y, dicho de la misma manera, simplemente clásica. El protagonista, que al inicio de la historia es inexperto, inocente y pobre toma las riendas de su destino; va tomando vivencias para agregarlas a su astucia para resolver problemas que amenacen su status social, el gran sacrificio que ha hecho para por fin ser una persona reconocida entre esa masa llamada sociedad. La clave de Gibbons para que el lector siga clavado en las páginas de The Originals es enfrentar la moral de quien lo lee con la moral de los protagonistas. En una historia de "buenos contra malos" solemos identificarnos generalmente con los buenos; en The Originals no hay buenos ni malos; está solamente el reflejo de la sociedad que lucha con ella misma para que ningún individuo se salga de ella. Y al momento en que sucede eso, las cosas se ponen difíciles, muy difíciles.



Independientemente de que Gibbons haya dicho que lo que vivió en esa época en Inglaterra lo plasmó en esta obra, no puso en tela de juicio a ningún miembro de The Originals o de Hovers; como lo hicieron los medios de información al juzgar a los mods, a los rockers y posteriormente a los hippies, punks, chavos banda, emos y darketos de hoy. De hecho, si la historia está exquisitamente dibujada en grises es tal vez para no inclinarnos hacia un lado de la balanza; no identificarse con Lel, Bok o algún Hover, se tocarían fibras muy sensibles si llegáramos a identificarnos con alguien. Todos son iguales, son individuos que buscan la famosa Verdad en un mundo mercantilizado, prostituido por esos mismos medios y aparatos de poder que señalan y satanisan a esas tribus sociales que estos mismos crean para seguir vendiendo y enriqueciendo al pez gordo. ¿Será cierto?

Quizá, lo que podemos resumir y aprender con the Originals es que a pesar de ser tan diferentes en pensamientos, ideas, vestimentas y metas, los sentimientos nos delatan; nos hacen ser humanos, erramos y cometemos faltas; afectamos nuestro alrededor, a pesar de que todo se haga por amor, en la búsqueda de lo perfecto. Sin embargo, en una sociedad distorsionada, fuera de las expectativas guajiras de la perfección y la paz, cada grupo y cada individuo cumple una función; y esa función debe ser reconocida por el mismo individuo para que todo siga conforme al plan. No importan tus sentimientos, el valor de la amistad, el amor o la ira. Todo eso se va al carajo cuando buscas sobresalir. ¿O no?

Saludos!

martes, 26 de abril de 2011

Spiderman: India

Saludos a todos.
Hoy les traigo una interesante historia sobre Spider-Man en una realidad totalmente diferente. Spider-man: India. Este artículo me lo publicaron originalmente en la revista "Cine Confidencial #36, Especial Spider-Manía vol. 2", del año 2009, por Editorial Mina.




Hemos visto a Spidey en muchas versiones: Televisión, cine, en cómic lo hemos visto cambiar de su uniforme característico demasiadas ocasiones; de negro, con armadura plateada; con la arañita por aquí, por allá; patrocinado por Iron Man, en fin…con cualquier vestimenta hemos disfrutado de las aventuras del arácnido a lo largo de su trayectoria. En esta ocasión, Spiderman salta del continente para que su historia sea contada de una manera dif
erente, pero sin perder la esencia de lo que es nuestro fiel amigo, Spiderman…en la India.


Es otro mundo…

Spiderman India, es un proyecto de Gotham Entertaiment originaria de India y que fue publicado en 2004 en aquél país en cuatro volúmenes y un año después Marvel Comics lo publicó para el mercado americano, recopilándolo después en formato de trade paperback. Aquí en nuestro país, Editorial Televisa y Marvel México lo trajeron como primicia dentro de sus series especiales, siendo parte del gusto y de lo más “hard to find” dentro de lo que esta editorial ha publicado para los spidermaníacos mexicanos.

Creado por Sharad Devarajan, Suresh Seetharaman y Jeevan J.Kang con Marvel Comics, Spider-man India nos lleva a la urbanidad y a la cotidianidad de los jóvenes hindúes, o eso se pretende ver en esta historia. Vemos que en cada capítulo, los autores nos introducen a su léxico y caló regional, logrando ese acercamiento e interés para el lector. La historia es digerible, no esperen un guión complejo a primera vista, nos recuerda un poco a lo que Marvel hacía en sus años dorados cuando algún personaje de su editorial visitaba un “lejano y extraño” país, claro que, con toda la información que corre en estos días la ignorancia de los escritores hacia otras culturas ajenas a la americana ya no es tan evidente. El dibujo es bueno, no es el mejor que se haya hecho en la historia del arácnido pero no deja malestar, podría parecer que el artista en algunos paneles haya dibujado “a prisa”, pero si nos vamos adentrando en el punto esencial del guión de este proyecto se olvida.

La historia de “Spider-man: India” no es otro “what if…” ni mucho menos un elseworld o algún crossover con la distinguida competencia; no, este proyecto va mucho más allá de contar una historia sobre el arácnido en un espacio-tiempo diferente al que se desarrolla comúnmente. Spider-man India, es el acercamiento a una cultura a la que por los medios de comunicación e información nos ha acercado pero que por su lejanía y complejidad no nos hemos adentrado. Gracias a Spider-man: India, podemos informarnos y enterarnos de costumbres de aquél lejano país, que posiblemente quedemos en las mismas interrogantes o en la acostumbrada indiferencia, pero no cabe duda que entenderemos que el concepto del héroe no es solamente propiedad de algunas culturas.



Si bien es cierto que Spider-man y Marvel no son el pretexto para conocer sobre otras culturas, son quizá la única manera para que algunos lectores desinteresados miren hacia aquel país lleno de riqueza cultural o hacia otras culturas o conocimientos filosóficos. Ése es el objetivo primordial de este proyecto, que a pesar de sus detractores, puede llamar la atención de muchos fans del cómic a un país lleno de mitos e historias milenarias.

Los Personajes
Los actores de esta historia no distan mucho de sus contra partes americanas; simplemente, como los autores dicen, quisieron darle el toque regional para acercar al público hindú a nuestro amigo arácnido y viceversa. Lo que nos enseña, que el concepto de héroe no solamente puede vestirse con capa o máscara y que trepe o vuele sobre rascacielos, sino que también puede adaptarse a cualquier espacio-tiempo sin perder el centro esencial que es el equilibrio entre las fuerzas naturales: bien y mal.

Pavitr Prabhakar, la versión hindú de Peter, es un aldeano que busca la trascendencia profesional y personal. Sus tíos, Maya y Bhim luchan y trabajan arduamente por sacar adelante a su sobrino. Todo esto sumándole el rechazo y las palizas que enfrenta en la escuela por parte de Flash y sus compinches. Aunque claro, en la oscuridad siempre hay un rayo de luz que nos llevará al “cielo” y ese rayo de luz es la Meera Jain, la Mary Jane hindú, quien no tiene prejuicio alguno de hablarle a un aldeano como Pavitr.

La maldad es representada por el empresario Nalin Oberoi, análogo de Norman Osborn, quien en el trascurso de la historia se convertirá en el demonio a vencer: Green Goblin. Aparece también una versión del doctor Octopus, así como una versión mucho más demoníaca de Venom.

La araña de otra cultura
Es difícil adaptar una historia, o más bien, un mito como lo es Spider-man bajo otra perspectiva, y mucho más difícil si la historia se desarrolla en lugares hasta cierto punto desconocidos para nuestra cultura occidental. Los detractores de esta historia dirán que es una manera de ideologización yanqui a una cultura rica en filosofía e historia.

Lo interesante es, de que siendo ideologización o no, Spiderman India nos acerca a lo que muchos fans difícilmente tendrán acceso. No queremos decir que la cultura hindú es difícil de comprender o de digerir, pero, nuestra percepción occidental y hasta cierto punto americanizado no nos
permite a mirar hacia otros horizontes. Y la cultura hindú tiene mucho de lo que el concepto del héroe americano tiene. Spider-man India es probablemente uno de los agradecimientos de nuestra percepción a las raíces filosóficas del oriente: la lucha del bien contra el mal.



En esa lucha, quien resulta victorioso es el amor. Esté del lado en que esté. Y en Spider-man India resalta la lucha del amor. El amor hacia los seres queridos; hacia el ser amado; y hacia lo que cotidianamente uno busca para trascender como ser humano. El lema que el mito Spider-man tiene como estandarte, “un gran poder conlleva una gran responsabilidad”, no tendría efectividad sin el poder del amor. Y de eso trata Spider-man, y ésta versión hindú.

Sino hacemos las cosas con cariño, sino nos aferramos a lo que realmente queremos en nuestro andar como seres humanos, la envidia, la soberbia y la ira nos consumirá hasta llegar a ser los mismos demonios por los que hemos combatido día a día.

En Spider-man India, tal vez la forma en que le concedieron los poderes de una araña a Pavitr Prabhakar no sean similares a los de Peter Parker; tampoco éste arácnido trepa por grandes edificios o se balancea entre dos torres gemelas; quizá la muerte del tío Bhim no haya sido tan dramáticamente narrada para un premio o mención honorable; quizá Spider-man India pasará como una historia “bizarra” que perteneció a una tendencia del siglo XXI; pero a pesar de todo eso, el Spider-man hindú y su historia tiene la misma finalidad que es la de luchar y defender POR AMOR lo que uno ha construido como especie y como ciudadanos. Y esto es, la enseñanza que los héroes de cada civilización y de cada época nos enseñan para sobrevivir en este mundo cada vez más difícil.

Saludos.

sábado, 26 de marzo de 2011

Iron Man y sus Armaduras

Saludos a todos los lectores que entran a este blog. En esta ocasión les tenemos una lista de las muchas armaduras que Iron Man ha diseñado durante este tiempo. Esta lista me fue previamente publicada en el 2010 dentro de la publicación Megarevista VK #34. Comencemos:

Tony Stark, además de ser el Caballero en armadura moderno, necesita actualizar todo aquello que concierne al héroe que representa al portar esa coraza y convertirse en Iron Man. Durante casi cincuenta años que el “cabeza de concha” ha aparecido en la viñeta, su armadura ha ido evolucionando de acuerdo a los avances tecnológicos que la sociedad ha experimentado y formado parte de su vida diaria para hacer más creíble un personaje en sus características.

La tecnología ha estado en nuestras vidas desde que se inventó la rueda; y dentro del medio del entretenimiento – particularmente en el cine y el cómic de sci-fi y súper héroes –, los avances tecnológicos se reflejan tanto en la manera de producir como dentro de la historia con los personajes, sus situaciones o elementos; todo esto puede resumirse en el personaje de Marvel Comics, Iron Man, que, desde el uso de transistores, pasando por microchips, fibra óptica y nanotecnología acerca al público cinéfilo y comiqueril a un mundo que es más posible con el paso de los años.

Iron Man, dentro del cómic –y en las películas también–, ha cambiado de armaduras como si fueran cualquier cambio de ropa; a diferencia de otros héroes que necesitan de muchas aprobaciones editoriales para un cambio trascendental, en Iron Man la libertad de portar cuanta armadura necesite para diferentes misiones, o simplemente darle algunos ajustes a la que en ese momento porta. He aquí una lista de las más sobresalientes:



La Primera
Primera aparición: Tales of Suspense #39, (1963)
Con esta armadura empezó todo; su apariencia tosca y fría generaba miedo en sus primeros enemigos. Aunque en realidad ésta armadura fue diseñada por Stark con la finalidad de sobrevivir y luchar contra la esquirla de granada que se aproximaba mortalmente a su corazón, ésta armadura funcionó para redefinir el destino del playboy, empresario e industrial.


Días Dorados
Primera aparición: Tales of Suspense #40, (1963)
Tony Stark, convencido de que lucharía contra el mal, notó que su armadura gris generaba miedo no sólo a sus enemigos sino a la ciudadanía y a todo aquel que defendía. Es por eso que pensó en hacerle el primer cambio de muchos que vendrían en su historia: cambiarle el color.


Rojo, Dorado y… Estilizado
Primera aparición: Tales of Suspense #48, (1963)
Con la aceptación de los fanáticos marvelitas hacia el vengador dorado, la editorial decidió hacer un rotundo cambio a la armadura que porta Tony Stark. Ahora, basándose en los héroes de los pulps, Iron Man cambia su apariencia de un personaje tosco y evidentemente pesado a uno colorido, estético y ligero. Reflejando el avance tecnológico que Stark ostenta con su empresa, Stark Industries (Enterprises). Esta armadura es considerada como Mark 2 y mostraba una careta amarilla con dos puntas que sobresalían en la parte superior. Es también la armadura que da origen a todas las demás que aparecen hasta hoy.


Adiós Puntas
Primera aparición: Tales of Suspense #54 (1964).
Tony le hace un nuevo cambio a esas puntas que sobresalían, para darle una forma que semeje a lo que un casco, claro, sin eliminar la división de color del amarillo y rojo que tenía y respetando la línea de esas puntas, ahora incorporadas totalmente al casco. Un ajuste para enfrentar a uno de sus enemigos más acérrimos: el Mandarín.


La Clásica
Primera aparición: Tales of Suspense #66 (1965).
Compartiendo el título con el Capitán América, Iron Man y Stark nos comparten otro gran cambio a su vestidura de metal. Es el modelo que durante años se mantuvo dentro de nuestro inconsciente como la armadura idónea para Stark.



Rinoplastia
Primera aparición: Iron Man vol.1 #68 (1974).
Ahora con un título para él solito, en éste número vemos que Stark le agrega un pedazo que semeje a la “nariz” a la careta del casco. Quizá por la época este cambio se mantuvo durante un buen tiempo pero, debemos aceptar que el personaje se “humanizaba”; algo contrario a la idea principal de Stark/Iron Man: que lo frío y tecnológico invade cada vez más el cuerpo de su portador alejándolo de su humanidad común, corriente y frágil.





Regresa la Clásica
Primera aparición: Iron Man vol.1 #86 (1976).
Regresa el casco sin “nariz” y es el modelo que durante años se mantuvo dentro de nuestro inconsciente como la armadura idónea para Stark, aunque dentro de esta historia no todo es “miel sobre hojuelas”, la armadura es susceptible a las bajas temperaturas extremas.



Explorando el Espacio
Primera aparición: Iron Man vol. 1 #142 (1981).
Bajo la pluma y lápiz de David Michelinie y John Romita Jr., Iron Man presenta una armadura que en posteriores aventuras –como en Operation: Galactic Storm (1992) –, usaría para combatir y permanecer períodos largos en el vasto e infinito espacio.



En Sigilo
Primera Aparición: Iron Man vol. 1 #152 (1981).
Todavía con una amenaza nuclear, la sociedad americana reflejaba en sus medios de expresión el hermetismo del gobierno ante una declaración de guerra a la URSS y el miedo por los medios de comunicación hacia el público. Una muestra es esta armadura que Stark diseña para infiltrarse en lugares donde Iron Man no estaba invitado: the Stealth Armor.


Rojo y Plateado
Primera aparición: Iron Man vol. 1 #200 (1985).
Después de más de veinte años vistiendo dorado y rojo, Tony Stark decide crear una armadura nueva con la que le patearía el trasero a Obadiah Stane –Iron Monger– y además darle un cambio de color, quitando el dorado por un plateado brillante. El centro del pecho en la armadura cambiaría de forma, de un círculo a un triángulo.



Viaje al fondo del Mar
Primera aparición: Iron Man vol. 1 #218 (1987).
Aunque en realidad es un aditamento extra a la armadura, es digna de nombrarse en esta lista por su tamaño y peculiaridad recodándonos a aquella armadura dorada de los años sesenta.





Resurgiendo de nuevo
Primera aparición: Iron Man vol. 1 #231 (1988).
Mientras se suscitan los eventos de la Guerra de Armaduras (Armor Wars, 1988), uno d elos arcos argumentales más memorables en la carrera de Iron Man y su portador, éste diseña y actualiza a lo que se le considera la armadura “clásica”, dándole un porte más dinámico y ostentoso. Con el paso del tiempo, ésta armadura tuvo cambios como en sus botas, haciéndolas más anchas o “acampanadas”.



La Máquina de Guerra
Primera aparición: Iron Man vol. 1. #281 (1992).
Una armadura para épocas duras y difíciles. Tony stark, amenazado por un tecno-virus que le consumía su cuerpo poco a poco y con la amenaza de muerte con The Masters of Silence, éste lucha con ellos con una armadura a control remoto que, es destruída y da paso a que Stark no tenga clemencia y diseñe la mejor máquina para hacer añicos a cualquiera: War Machine. Armadura que posteriormente Stark le “regala” a su guardaespladas James “Rhodey” Rhodes.





Modular
Primera aparición: Iron Man vol. 1 #300 (1994).
Esta armadura era parte de la celebración del treinta aniversario de Iron Man, y qué mejor celebrarlo con otro cambio en la armadura. Lo peculiar de ésta armadura es que sus partes son intercambiables según el momento y necesidad de la misión. El círculo en el pecho es cambiado a una figura que semeja al símbolo de Superman. Otro detalle es que ésta armadura fue la que lanzó al estrellato televisivo noventero al personaje y, bueno, no sólo en la televisión, sino en los videojuegos y las figuras de acción coleccionables.





Caza-Hulks
Primera aparición: Iron Man vol. 1 #305 (1994).
Para luchar contra Hulk no nada más se necesitan ciertas “agallas” y eso Stark lo sabe. Para esta confrontación, diseña una armadura que soportaría los puñetazos del gigante esmeralda quien, posteriormente veríamos dicha armadura en World War Hulk (2006), cuando el señor Banner como Hulk busca venganza contra quienes lo mandaron lejos de la Tierra y haberle destruido su nuevo hogar, amor e hijo. ¿Un culpable? Tony Stark.

Renacimiento
Primera aparición: Iron Man vol. 2 #1 (1996).
Debido alos acontecimientos de Onslaught en el Universo Marvel, los Vengadores y IronMan fueron resguardados en un universo de bolsillo creado por Franklin Richards, hijo del matrimonio de los Cuatro Fantásticos; ésta etapa es llamada Heroes Reborn.
La armadura presenta la influencia de quienes estuvieron a cargo de la saga, Jim Lee, Scott Lodbell y aquellos quienes fundaron en el ’92 Image Comics.


Ultimate Armor
Primera aparición: The Ultimates #2 (2002).
Dentro del universo Ultimate –creado para relanzar a los personajes de Marvel para las nuevas generaciones y siendo un universo aparte del que se conoce como Universo Marvel–, esta armadura presenta muchos cambios tanto en el casco, colores y hasta en la personalidad de Stark, quien ahora en este universo sufre de un tumor cerebral y la armadura lo mantiene vivo por un tiempo más.




Extremis
Primera aparición: Iron Man vol. 4 #5 (2005).
Para este nuevo siglo y para actualizarse de una manera sorprendente, ya no inimaginalbe, sino todo lo contrario, posible con el avance tecnológico que nuestra civilización está presenciando, Stark y Iron Man son puestos en una historia, escrita por Warren Ellis, donde Stark le es inyectado un “virus” nanotecnológico que ha redefinido la idea del hombre y la máquina como uno sólo. Stark no tiene necesidad de ponerse la armadura y perder tiempo. La armadura está dentro de él además de que su cerebro trabaja como una gran computadora almacenadora de datos; pre-visualiza los acontecimientos como nadie, golpea antes de que los demás actúen; puede conectarse al sistema de cualquier computadora. La armadura le da más poder y más velocidad, convirtiéndolo en el personaje que es hoy en día. Cabe recalcar que el diseño sirvió para crear la armadura de la cinta cinematográfica.




Era Heróica
Primera aparición: Invincible Iron Man #500 (2010).
Después de los acontecimientos de Dark Reign, Tony Stark renueva su armadura de nuevo, retomando la funcionalidad de la armadura modular de los años 90, pero con la tecnología del nuevo milenio. Aun no conocemos todas las aplicaciones y armamento que carga, pero seguro cuenta con lo más vanguardista.


Muchas más…
Hay demasiadas armaduras que nos falta nombrar, pero, como comenté al inicio, se mostraron las más sobresalientes. Quedan por recordar la Armadura Ártica, la Thorbuster, La Medieval, la del Universo 1602, la Armadura Lunar y las demás que existen en universos alternos. Hay para más mientras Tony Stark tenga el suficiente dinero.


miércoles, 3 de noviembre de 2010

Voltron: El Rey León.

Saludos, amigos lectores de Comicología. Después de unas largas vacaciones llegamos aquí con un nuevo post esperando que sea de su beneplácito. En esta ocasión le toca a un personaje clásico de los años 80: Voltron.

El siguiente post fue originalmente publicado en la revista mexicana Otaku, numero 52 de Junio de 2010, siendo su servidor el autor.


“En una época inmemorable, de regiones misteriosas del universo, nos llega una leyenda. La leyenda de Voltron: Defensor del Universo. El robot poderoso, amado por los justos, temido por los cobardes. A medida que crecía la leyenda Voltron, hubo paz en torno a las galaxias. En el planeta Tierra, se formó una Alianza Galáctica. Que unida a los planetas buenos del Sistema Solar, han mantenido la paz a través del universo. Pero ha llegado una amenaza nueva y terrible a las galaxias. Voltron debe surgir de nuevo. Esta es la historia de una súper-fuerza de exploradores del espacio en quienes ha depositado su confianza la Alianza. Entregándoles los antiguos secretos de cómo ensamblar a Voltron: Defensor del Universo.”
Así se escuchaba la voz en off en el opening de una de las series más memorables y queridas de los años ochenta en México y el resto del mundo y sin más preámbulos, comencemos:

Dos en Uno
Voltron fue una serie animada que llegó a nuestro país a mediados de los ochenta; es del género Mecha o “Super Robot”. El concepto de Voltron estuvo a cargo de la casa de animación norteamericana, World Events Productions que, para traer al continente americano al gran robot, unieron dos animes totalmente diferentes: Armored Fleet Dairugger XV –que viene siendo el Voltron que vimos en los años ochenta en la TV abierta– y, Beast King GoLion la cual se pudo ver a través de la televisión de paga años posteriores.


World Events Productions tomaron ambas series y las convirtieron en la idea de Voltron; concediéndole a GoLion ser la “primera temporada” y posteriormente a Dairugger XV formar la última. La transmisión de esta serie en el continente americano fue en el año de 1984 y terminando en el año siguiente. En México, Voltron llegó al canal cinco de Televisa al terminar en Estados Unidos – en el año 1985–, acompañando a Mazinger Z en la programación de caricaturas de este género por las tardes, de Lunes a Viernes. Dentro del fandom, para referirse a cada Voltron se dice que el primero que se transmitió es Voltron Lion Force, siguiéndole Voltron Vehicle Force como el que corresponde a la segunda temporada. Años después, hubo un proyecto para relanzar la marca Voltron con una animación en computadora llamada Voltron: The Third Dimension. Y para este año, en el otoño, World Events planea lanzar Voltron: Panthera Force, en el canal Nickelodeon. Pero vayamos por partes:




Los leones de colores
Beast King GoLion, es originalmente una animación japonesa que comenzó en el año de 1981 a cargo del reconocido estudio Toei Animation. La serie tiene un total de cincuenta y dos capítulos en los que se narra la historia de cinco exploradores espaciales situados en el año de 1999, claro, para inicios de los años ochenta el hablar del fin de siglo XX era parte del concepto y argumentos en la ciencia ficción y la fantasía.

Estos cinco exploradores llegan a la Tierra, después de una misión estelar en el planeta Altea para liberarlo del yugo del Emperador Daibazaal. Al llegar a la Tierra, se dan cuenta que el planeta está deshabitado y aniquilado por una guerra nuclear –un suceso muy utilizado en el cine y la TV–, con el paso de la historia, los exploradores regresan a Altea para encontrar la manera de despertar al antiguo robot todopoderoso GoLion, para poder derrocar y terminar de una vez por todas con la mano dura de Daibazaal.

En el origen que se cuenta sobre GoLion se dice que era un robot poderoso que derrota a grandes fuerzas maléficas en el espacio, lo que ocasionó cierta arrogancia en el robot. GoLion intenta enfrentar a una diosa más poderosa que él y, para demostrarle su error, ésta diosa lo separa en cinco partes y lo manda al planeta Altea hasta que en un futuro quizá lejano pueda ser reunidas sus partes y pelear contra el mal otra vez.

Cada explorador maneja una parte de GoLion: El torso con la cabeza, que son de color negro; brazos, cada uno con diferente color –rojo y verde– y las dos piernas con los colores amarillo y azul cada una. Dentro del argumento original de Voltron Leones, los nombres de cada explorador nos revelan de dónde nace la inspiración para crear a GoLion –o Voltron Leones–.

Akira Kogane es el Jefe, es quien maneja el torso y la cabeza del robot y quien debe mantener el equilibrio y la “cordura” en el grupo. Kogane en japonés significa oro. Takashi Shirogane era quien maneja al inicio el león azul y era el segundo al mando; al morir fue sustituido por la Princesa Fala, una mujer que pertenece al planeta Altea y quien en episodios posteriores mantiene junto con Akira el elemento del amor. Shirogane en japonés significa Plata. Isamu Kurogane es el explorador que sustituye el rol de “segundo al mando” que tenía Shirogane, él maneja el león rojo y que en varias ocasiones cuestiona el mandato de Akira generando cierta tensión en la historia, además de tener también interés en la Princesa Fala. Kurogane en japonés significa Hierro. Tsuyoshi Seido es el fuerte y rudo del grupo aunque en el fondo es todo lo contrario; Seido maneja el león amarillo que forma una de las piernas de GoLion. Seido significa Cobre. Por último, Hiroshi Suzuishi es quien maneja al león verde, es el más joven de los cinco y un experto en las ciencias. Es ágil y muy buen arte marcialista. Suzuishi significa Estaño.





El León Guardián
Quizá los colores y el número de partes felinas que forman al robot nos llegue la idea a nuestras mentes de que cada parte de Voltron Leones significa los elementos de Tierra, Aire, Fuego, Agua y por supuesto, el Alma; aunque en la serie animada clasifican a cada león como el del Trueno, de la Arena, Fuego, Aire y del Agua. Según el origen de esta serie, nos podemos aventurar a creer que se basaron en la mitología del rey león chino que podemos ver reflejada en la famosa danza del león que se hace cuando se celebra la llegada de un año nuevo chino.




En la historia del rey león chino nos cuentan que éste animal era un tanto bromista: Una vez en la tierra de los dioses chinos, el rey león decidió hacerle una broma al Emperador de Jade (quien es el equivalente a Zeus de la mitología griega) pensando que podía ser divertido fingir encontrarse herido. Cuando el emperador fue en su ayuda, le dio un susto que al emperador no le encontró gracia y le corta la cabeza por tal broma. Tiempo después Kwan Yin, la diosa de la misericordia, sintió pena por el rey león y ató a su cabeza un colorido listón y lo devolvió a la vida. El rey león estaba tan agradecido, que prometió nunca volver a bromear otra vez y en su lugar ayudar a los demás. Kwan Yin estaba tan impresionada por su sinceridad, que le dio un cuerno para pelear y una nariz que reflejaría luz a los demonios ahuyentándolos.

En la danza del león, su significado viene de esta leyenda y también tiene mantiene la creencia de que bailando el león se abren las puertas del cielo además de que se ahuyentan los malos espíritus y sus fechorías. Los colores que se utilizan en la elaboración de los leones que vemos en las celebraciones se concentran en usar los pertenecientes a los que vemos en el arcoíris, algunos colores que también usa GoLion.

También podemos ver cierta influencia en la novela histórica china “Los Tres Reinos”, donde algunos personajes eran representados por leones de color dorado, rojo y negro. Otro significado que encontramos en GoLion es el de los Perros Foo, Perros de Buda ó Shishis –que en realidad son leones–. Estos guardianes, cuidan los templos y tumbas sagradas de cualquier amenaza maligna que intente atentar contra sus moradores. En el Budismo el león representa la divinidad solar y al mismo Buda.



Todas estas similitudes no son tan evidentes con el argumento americano que, además de unir ambas series, reescribieron diálogos y conceptos para que tanto Voltron Leones como el de los vehículos formaran parte de la famosa Alianza Galáctica para mantener la paz en la galaxia. Con este nuevo argumento, crearon un trasfondo militar y con tintes anticomunistas; omitiendo también las escenas de muertes de personajes y todo aquello que las leyes de transmisión americanas no podían mostrar en una animación para la niñez de aquellos años, como el planeta Tierra destruido. Se cambiaron algunos nombres en los personajes y uno que otro ajuste más. A pesar de todo esto, que aparentemente desvirtúa la idea original Voltron Lions es una animación interesante y muy representativa de los años ochenta.




Y ahora, Voltron Vehículos
Voltron Vehicle Force –o Voltron Vehículos–, es la animación americana que tiene como origen la serie japonesa Kikou Kantai Dairugger XV, estrenada por primera vez en 1982. De igual manera, como GoLion, Dairugger XV fue realizada por Toei Animation. Su estreno en Estados Unidos fue en 1985, como parte de la segunda temporada del concepto Voltron.

Esta serie muestra sin dificultad la idea de la Alianza Galáctica. Nos relata que, mientras el grupo de exploradores que forman a Voltron Leones siguen en la galaxia, otro grupo se encarga de manejar a este Voltron que a diferencia del felino, éste se forma con quince partes en vez de con cinco. Estas quince partes forman tres grupos: el del aire, tierra y agua; cada uno con un líder y con misiones determinadas para cada equipo que, al final de cada episodio, por lo general, todos se unen para formar al robot gigante Voltron. La misión primordial de Voltron es explorar el espacio exterior para encontrar planetas habitables y llevar población de los planetas de la Alianza que tienen problemas demográficos. La amenaza a vencer son el Imperio Drule, y la razón de que este nuevo robot se haya construido.




En el guión original, Dairugger XV es el resultado de un avance tecnológico e intelectual de los habitantes del planeta Tierra. Después de un ataque del Imperio Galbeston, se decide crear a Dairugger para salvar al planeta Tierra del terror que representaba aquel Imperio. La razón del porqué el Imperio Galbeston ataca la Tierra es para encontrar un nuevo planeta habitable que, con el paso de los capítulos algunos líderes del Imperio se unen a los terrícolas para esa misión, mientras que otros “galbestonianos” están en contra de esa decisión.

De la misma manera en que Voltron Leones fue editado y modificado para su transmisión, Voltron Vehículos tuvo que pasar al cuarto de editores para quitar escenas consideradas fuertes para la niñez americana, tales como la muerte de muchos personajes en la historia. El argumento con tintes pro-capitalistas también es de notarse en el guión adaptado americano y en el japonés. La idea de hacer “cambiar” de parecer a un Imperio para encontrar el camino correcto; formar una unión y demostrar el poderío militar de los países capitalistas es evidente tanto en Dairugger XV y Voltron Vehicle Force.

A pesar de esto, encontramos muchos valores de amistad, preservación del medio ambiente y simbologías mitológicas como la de los gigantes, el gollem y de seres de la mitología oriental que manejan los elementos agua, tierra y aire, como en la religión Shinto (Sintoísmo) japonesa.

Sin duda, una serie que debe verse en ambas historias. Representativas del género mecha y obligatorias para los que buscan conocer más de esta rama de la animación.





Defendiendo los derechos del Defensor del Universo
Hace unos años se especulaba que la producción de una película estilo live-action iba ver la luz para este 2010. Pero una lucha de derechos de autor entre World Events Productions y Toei Animation se ha desatado y ha interrumpido lo que sería un regreso más de una de las franquicias más memorable e importantes de los años ochenta. Al final de todo esto, los que pierden son los fanáticos y el público asiduo a las adaptaciones cinematográficas.

¡Saludos!

viernes, 28 de mayo de 2010

Blue Beetle: El que empuja el Sol.

¡Saludos, lectores! Comicología le presenta ahora un personaje del que dio mucho de qué hablar durante la Crisis Infinita de DC Comics, en el año 2005. Nos referimos a Blue Beetle, conocido en español como Escarabajo Azul, tal y como su nombre en inglés lo indica.




Origen
Blue Beetle fue creado en el apogeo de la Edad de Oro del cómic, –a finales de los años 30– bajo la mano del dibujante Charles Nicholas Wojtkowski, conocido solamente también como Charles Nicholas. El argumento y origen principal de este personaje fue ideado por la leyenda Will Eisner. Nicholas trabajó en algunos títulos como Captain America Comics, Human Torch Comics y Sub-Mariner Comics, haciendo algunas portadas en esos títulos, pero, sin duda, el Escarabajo Azul ha sido su mayor aportación al cómic. Beetle aparece por primera vez publicado en Mistery Men Comics #1, de la editorial Fox Comics en 1939.

Durante esta época dorada, la identidad secreta de Blue Beetle es Dan Garrett, un policía novato que, al tomar la “Vitamina 2-X”, portando un traje especial anti-balas y que le da súper-fuerza, combate el mal, vestido como el Escarabajo Azul. Lo acompaña un aliado, un farmacéutico quien le surte de la Vitamina 2-X: el Doctor Franz.

Es curioso anotar que, en ésta época los orígenes y argumentos eran similares en muchos personajes: si su poder no residía por razones alienígenas, eran concedidas por un poder/dios antiguo (de la cultura egipcia, particularmente, gran influencia en éste personaje, como veremos después) ó, gracias a los avances tecnológicos como “súper-sueros” o súper vitaminas como la de Blue Beetle.


Llegaríamos a decir que esta primera versión de Blue Beetle semeja visualmente a The Phantom –de Lee Falk y Ray Moore–, y con una tendencia a lo que sería el suero del súper soldado del Captain America de Jack Kirby; no es de extrañarse ya que tanto Nicholas como Kirby estuvieron trabajando en sus inicios en el estudio de Will Eisner.




Cambio Radical
Posteriormente –y debido a las bajas ventas e interés de los lectores–, el personaje no aparece si no hasta los años cincuenta; ahora bajo la custodia de la editorial Charlton Comics, una editorial “familiar” con base en Conneticut. En 1955, Beetle tuvo una aparición en sólo cuatro números y, hasta el año de 1964, Charlton le da otra oportunidad para reivindicarse. En esta ocasión, el personaje presenta un cambio en su traje; mostrando una primera versión de sus goggles y acentuando más el color azul. Además de la apariencia, el origen de Garret cambia. Para transformarse en el Escarabajo Azul, Garrett necesita decir las palabras “Kaji dha!”, algo parecido a lo que hace Shazam!, de C.C. Beck.

En esta nueva versión, Dan Garrett es un arqueólogo que encuentra un escarabajo en unas excavaciones en Egipto y que lo convertiría en el héroe azul al pronunciar “”Kaji Dha!”. Esta actualización estuvo a cargo del escritor Joe Gill (co-creador de The Atom y Peacemaker) y Tony Tallarico, siguiendo la idea del aventurero arqueólogo.

Pero no fue hasta 1967, que aparece tal y como lo conocimos hasta los últimos años, con su traje de dos tonos azules, parecido a un traje de buceo de alta tecnología. Fue Steve Ditko quien le dio esa nueva imagen que lo caracterizó hasta el año 2005, cuando DC Comics ya era dueño del personaje, desde inicios de los años ochenta, cuando compran Charlton y todo su panteón de personajes quienes se integran a los ya conocidos después de la “Crisis en Tierras Infinitas”, de 1985.



Ditko retoma ciertas ideas que lograron de Spiderman un personaje interesante para el lector. Ahora en esta versión, Blue Beetle es Ted Kord y toma la identidad cuando Garrett muere. Kord es un científico con rangos muy altos en ingeniería, física, biología, etc. (ajustándose a las tendencias sci-fi de aquellas épocas, tal y como Flash, The Atom o Green Lantern), dueño de Kord Industries, goza de los privilegios que da el dinero en grandes cantidades, capital que utiliza para actualizar sus gadgets y artimañas. Sin poderes sobre-humanos, su inteligencia y habilidades físicas lo hace un personaje que crea la más alta tecnología, con entrenamiento acrobático y de pelea para combatir a quien tenga maléficas intensiones. Ditko le da una personalidad “jocosa” y algo semejante a Peter Parker; personalidad que denota y deja buen sabor de boca en el aclamado cómic “sitcom”, Justice League International, de Keith Giffen y J.M. DeMatteis.



Esta versión de Beetle, tuvo mejor aceptación y, aunque sus publicaciones fueron esporádicas, fue un personaje pilar dentro de la Liga de la Justicia (un momento memorable, cuando Doomsday le da una paliza, en la saga de “La Muerte de Superman”, dejándolo en coma durante un largo tiempo), hasta el momento en que es asesinado por Maxwell Lord dentro de la maxi-serie “Infinite Crisis”, cuando descubre una conspiración en contra de los metahumanos (súper-héroes) orquestada por Lord.

Es ahí mismo que aparece el nuevo portador del poder del Escarabajo: Jaime Reyes, un adolescente de raíces mexicanas y que ahora, es el escarabajo místico quien “escoge” particularmente a Reyes, incrustándose en la espina dorsal del joven. El traje ahora emerge del cuerpo de Reyes, dándole poderes sobre-humanos y protegiéndolo de cualquier ataque enemigo. El traje también le otorga instrumentos de alta tecnología adaptándose a las necesidades de una época donde es imprescindible esa ciencia en la vida diaria.




El Poder del Escarabajo
¿Qué hace interesante a Blue Beetle? Durante su larga vida, con tres portadores del escarabajo místico, Blue Beetle no es solamente un personaje basado en otros súper héroes, como los citados arriba. Blue Beetle, efectivamente, representa bajo ésa perspectiva mística a la representación del Sol en la cultura egipcia pero visto de una manera moderna, adecuado a la cultura y época que estamos viviendo. Es importante tener en cuenta que, la mayoría de los súper héroes nacidos en la Era de Oro tenían cierta relación, directa o indirecta con esta cultura y con otras mitologías antiguas. En aquellos tiempos, los arqueólogos eran los grandes aventureros e inspiración para muchas historias para pulps, cómics, cine y radio; también científicos que descubrían mundos o posibilidades que jamás el humano podría comprender tan fácilmente.

La evolución de Blue Beetle lo ha llevado a representar de forma moderna al dios egipcio Jepri, una manifestación de Ra –el dios Sol– al amanecer. Jepri es representado como un escarabajo, insecto que representa la vida eterna, la transformación y la auto-creación; un paralelismo trasladado a la historia del personaje durante estos 70 años que, pasando de Dan Garrett hasta Jaime Reyes se va transformando y re-creando.


Es curioso que los anteriores Blue Beetle –Garrett y Kord– hayan muerto para ser sucedidos y no que hayan renunciado ser el personaje. Es también el escarabajo, en la cultura antigua egipcia, un amuleto muy usado, generalmente en los rituales funerarios. Algunos de los amuletos en forma de escarabajo eran hechos a base de lapislázuli – un mineral de color azul–, tal y como el escarabajo que encuentra Garrett así como el color del traje del personaje.

El origen del escarabajo místico que se ha usado para que surja Blue Beetle, proviene del espacio exterior, propiedad de una raza alienígena conocida como The Reach. Esta raza utilizaba el escarabajo como instrumento bélico, poco después el “amuleto” es usado para darle poderes a quien lo porte. El escarabajo es en realidad parte de un gran ser que toma la identidad y control de quien lo porta; comportándose como un huésped “incómodo”, como sucede con Jaime Reyes que, cuando regresa a su identidad secreta sufre de un gran dolor, cuando la armadura regresa a su espina dorsal; esperando el escarabajo a “renacer” de nuevo.

Jaime Reyes, el actual Blue Beetle, no escogió ser el Escarabajo Azul; es, quizá, la última y definitiva concepción del personaje, ya que, une la idea antigua de la creencia del renacer en la mitología egipcia, con la adaptación del Ser Humano de la Era de la Información; este Blue Beetle, además de portar un amuleto místico, con orígenes extraterrestres (como se dice también de los orígenes de los antiguos dioses egipcios, según aficionados al fenómeno OVNI y algunos egiptólogos), es, además, una interface; un USB con infinita información potencialmente utilizable incrustado en el cuerpo de Reyes que, poco a poco se va adaptando a él, tal y como la sociedad se adapta a las Nuevas Tecnologías, cueste lo que cueste a nuestro hábitat y a nuestra fisiología.

Es también este último Beetle, reflejo de cómo los usos y costumbres de una cultura se adaptan al nuevo lugar donde viven. Jaime Reyes es de origen mexicano, por lo tanto, –y como se mira en paneles del cómic– es de religión católica (sabiendo que en el cómic y otros medios se generaliza la idea de una región, como la mexicana). A pesar de esta situación, Reyes no tiene problema de portar el escarabajo azul, originario de otras creencias a la suya sabiendo que lo utiliza para el bien. Curioso anotar también que, el dolor que le causa a Reyes por "hacer el bien" cuando la armadura regresa a su espina dorsal, puede reflejar el dolor que causa el sentido del "sacrificio por hacer el bien" en personas que adoptan pragmáticamente una religión como la católica en algunas regiones del planeta...

Sin duda, un personaje al que hay que seguir, por que en cualquier momento volverá a renacer...

miércoles, 17 de marzo de 2010

Detroit Metal City: El Diablo sabe Vender

¡Saludos!
En esta ocasión les comparto un manga/anime que, por gusto hacia la música que tiene quien "postea" en este blog, es publicado aquí en "Comicología": Detroit Metal City. Quizá se desvíe un poco de la idea del blog de profundizar particularmente en personajes del cómic en general, pero en éste post encontraremos una recomendación interesante y que posteriormente podamos encontrarle su lugar dentro de la cultura musical, del cómic y del entretenimiento. Este post fue originalmente publicado como un artículo para la revista mexicana Otaku número 49 de enero del 2010, escrito por este mismo autor de Comicología; con la idea de que esté a disposición de los lectores de éste blog. Comencemos:

DMC, Detroit Metal City. Un anime/manga que por simple vista nos conduce a recordar clichés del mundo del rock; en especial de la música, su industria en el ancho del planeta y todos los seguidores de miles de géneros y tendencias musicales que hay. Un anime especialmente pensado para los que consideran que la música lo es todo en la vida…

¡Vamos a Rockear!
¿A quién no le gusta la música? No me refiero a un tipo de música, sino a la música en general: los géneros, los festivales, los discos, leyendas vivas y muertas, cantar, gritar y hasta interpretar tu canción favorita. Existen muchos mitos en la música, principalmente en el mundo del rock; se habla desde cultos satánicos, mensajes diabólicos y subliminales en las letras de las canciones, en las portadas de los discos, en la actitud de cierto miembro o de toda la banda; drogas por doquier, fiestas sin parar; el backstage con litros de alcohol y murciélagos para comerlos en el escenario... En fin, cosas que se podrían decir que son ciertas, pero en una industria donde lo que importa es el vender, todo se vale. En DMC podemos tener una mirada que rompe -o confirma- todos éstos clichés y paradigmas de los que se han hablado y debatido desde que nació el rock’n’roll como estilo de vivir.


Detroit Metal City es un manga/anime nuevo. Publicado por primera vez en el 2005 y su animación en el 2008. La versión impresa publicada por la revista Young Animal, revista que publica mangas dirigidos a un público más maduro o en otros casos, “adulto”, género conocido por los lectores asiduos al manga como Seinen.

La animación estuvo a cargo del Studio 4°C, con doce capítulos de trece minutos aproximadamente, sinceramente tardó mucho en dar el salto manga/anime y más una historia donde lo importante es escuchar la música que los personajes ejecutan en sus presentaciones; no es lo mismo imaginar notas y líricas que escuchar y “presenciar” un show. Detroit Metal City, es un anime que por su naturaleza no es del agrado de quien no soporte “música que parece ruido” (sic), ya que, el metal –death metal, para ser exactos-, con sus estridentes y orgásmicas notas permanece presente durante todo el anime, siendo la música el principal protagonista de la serie, pues debe estar presente.

La historia se centra en un muchacho llamado Soichi Negishi, fan del pop sueco (Abba, Ace Of Base, por ejemplo) quien es el líder de la banda Detroit Metal City apareciendo como Johannes Krauser II, su álter ego muy contrario de lo que Soichi es pero que al final ambas personalidades vienen siendo la misma persona. Nadie de sus familiares y amigos saben que es Johannes Krauser II y esta situación hace que en ciertos momentos la historia tome tintes cómicos. Los personajes recurren a ciertas actitudes y respuestas que se pueden escuchar dentro del ambiente musical rockero y en contraste a lo que Soichi busca con sus swedish pop podemos ver que no todas las apariencias en el mundo musical son abiertamente ciertas.


Mitos que se vuelven realidades
Aunque es obvio que el nombre y la vestimenta de los personajes fueron tomados del grupo norteamericano de los años setenta, KISS y su canción “Detroit Rock City”, es interesante anotar que muchos de los mitos de los que la banda del anime le rodea semejan mucho a aquellos que se hablaban del grupo de rock americano en sus años de mayor éxito.



La imagen que reflejaba KISS en los años setenta era muy innovadora y atrayente a la juventud; fueron influencia para muchas otras bandas y artistas para crear sus performances. Como todos sabemos (o hay cierta idea), el rock es sinónimo de censura y rebeldía; y a lo que es rebelde, el “sistema” trata de llevarlo al camino “correcto”; en muchas ocasiones se recurren, como en el caso de los rockeros, a ventilar situaciones o inventar historias y rumores que en poco tiempo se convierte en “hechos” que, si bien sabemos es mera publicidad, pueden causar mala imagen o comenzar una guerra mediática donde los perjudicados son los escuchas y admiradores del artista. Anteriormente, el mito de los mensajes subliminales era tan verdadero como las ventas millonarias que obtenían los discos de a quienes les perjudicaba. Ahora es risible que letras de KISS -o de otra agrupación rockera- tengan un mensaje abiertamente –e inclusive, escondido- de carácter satánico en sus canciones.

Han pasado los años y la música junto con su industria crecen y evolucionan.Satanás es ahora un personaje que vende bastante bien que, sin miedos ni prejuicios, las portadas de los discos demuestran sin censura lo que desean expresar los artistas.

Sea "satánico" el mensaje o no, al final nos damos cuenta que lo prohibido y más deseado es lo que más vende; aquellos mitos que surgían aparentemente de grupos de padres conservadores y preocupados por el destino de sus hijos al escuchar a un grupo de "desadaptados sociales" son ahora utilizados cínicamente para crear estilos de vida y modas que vienen y van. Sin embargo, la música sigue, porque la música no tiene géneros ni apariencias; ésas las pone la industria y sus dirigentes que olvidan de la sensibilidad del artista y sólo piensan en hacer montañas de billetes. Ésta es la idea central de Detroit Metal City, un manga/anime que te hará reir, llorar, gritar y girar tu cabeza hasta vomitar sangre.

Del Manga al Anime al Film y también al tributo en CD.
Cuando hayas por lo menos visto los trece capítulos de DMC, no olvides buscar la adaptación cinematográfica de ésta serie que ha tenido una más que mejor aceptación por parte del público y la crítica; situación que –para beneplácito de unos y disgusto de otros- se planea hacer su versión americana llena de actores famosos y miles de millones de dólares en presupuesto. Así también se ha hecho un disco compilatorio con intérpretes y bandas japonesas de rock haciendo sus versiones de las piezas maestras de Johenn Krauser II y su banda Detroit Metal City, vaya que se tenía que hacer. El disco –para aquellos melómanos de corazón- se llama Detroit Metal City: Tribute to Krauser II the metal mix.

¡Nos vemos!

martes, 23 de febrero de 2010

Marvel y Star Wars

Saludos, lectores. En esta ocasión publicaremos la historia de uno de los títulos que Marvel Comics aprovechó en un tiempo para salvarse de una de sus inminentes quiebras pasadas y que por las grandes ventas que tuvo, la editorial "maravillosa" se salvó: Star Wars. Este post es la reproducción "digital" de un artículo publicado en la revista mexicana "Cine Confidencial" número 35, de Noviembre del 2008.

Un post para fans de la Saga de George Lucas y para los fans del Marvel de los años 70's-80's.

Antes de Dark Empire, Shadows of the Empire y The Force Unleashed ya existía el Universo Expandido de Star Wars. Y no pudo haber otra editorial como Marvel Comics para publicarlos y generar ideas que en años posteriores se volverían a retomar para cimentar o determinar el origen de un personaje, un planeta o del Imperio mismo…



107 Emociones
En 1977, dentro del apoyo sinérgico que George Lucas preparaba para apoyar su primer película de Star Wars, estaba la adaptación en viñetas de ella, y para esa tarea no hubo otra editorial como Marvel para hacerlo bajo la mano y dirección editorial de Roy Thomas -el entonces editor en jefe de Marvel Comics desde 1972-, y Howard Chaykin –el mismo artista que se encargó de crear el primer poster promocional de Star Wars en las convenciones, siendo el mas valuado entre todos- en los dibujos y tintas. Siendo el primer número publicado en julio de aquél año ’77 y el comienzo de lo que en futuros años llamaremos todos los fans, el Universo Expandido.

La serie duró ciento siete capítulos, de 1977 a 1986 y con tres números anuales especiales, no podía faltar el sello marveliano de ofrecer algo más que una revista mensual. Casi diez años de emociones y descubrimiento de nuevos planetas, seres inimaginables y sorpresas en cada página de principio a fin, los cómics de Star Wars en sí no aportan continuidad dentro del “canon” pero dio muchas ideas para próximos trabajos.



Los primeros seis números fueron la adaptación de A New Hope, con la diferencia de que no se le suprimieron las escenas borradas de Luke, Biggs y sus amigos en Anchorhead, la aparición del Jabba “humano” que era un alien bípedo que posteriormente fue conocido como la raza Ninbanel. Posteriormente, desde los números 7 al 38 se relatan historias que suceden entre A New Hope y Empire Strikes Back; siendo las primeras historias que iban “más allá de las películas” –como lo decía en la portada del número siete y convirtiéndose éste en la primer historia del Universo Expandido de Star Wars.

En el número 39, comienza la adaptación de Episode V: Empire Strikes Back, escrito por Archie Goodwing y dibujados y entintados por Al Williamson y Carlos Garzón. Para los lectores ya no les hizo sorpresa que en Empire…Darth Vader anduviera en busca del joven que destruyó la Death Star, ya que en números anteriores ésa búsqueda había comenzado y hasta un encuentro tuvieron estos personajes en el número 37 de la serie.




La adaptación de ESB termina en el número 44, dejándonos también como elementos adicionales a la película las escenas eliminadas, tales como el ataque de los Wampas en la base rebelde de Hoth y la escena completa del tanque de bacta. Paralelamente, Marvel saca un compilatorio de éstos números conocido como “The Marvel Comics Illustrated Version of Empire Strikes Back”; cómic caracterizado por incluir a un Yoda diferente al que se conocía en la película utilizando un sketch de Ralph McQuarrie.

La batalla continúa
Después de la adaptación de ESB, J.M. de Matteis y Carmine Infantino se encargaron del argumento y dibujo de la serie, después de ellos Mike W. Barr, Chris Claremont, David Michelinie, Walt Simonson, entre otros escritores y dibunantes; historias que nos iban llevando hacia la última parte de la trilogía clásica. Se relataban aventuras de Lando Calrissian y Chewbacca en el rescate de Han Solo. Vemos por primera vez el nombre propio “Cody”, shadowtroopers, más del planeta Kashyyyk, la primera aparición de K-3PX -el droide de protocolo perteneciente a Darth Vader y que en la colección de figuras del 2008, Legacy Collection, aparece en un 2-pack con su dueño, siendo también K-3PX un referente para que Lucas propusiera que Anakin tuviera en posesión a su droide de protocolo a temprana edad. Mientras tanto, en la sección de cartas de los lectores ya se comenzaba a especular sobre “la otra esperanza” que se refería Yoda en ESB, algunos lectores acertando de que era Leia.

En Octubre de 1983 se publicaba simultáneamente la miniserie correspondiente a la adaptación de Return of the Jedi y dejando paso así a otras historias en la serie regular.

La adaptación de ROTJ, constó de cuatro números y fueron escritos y dibujados también por Archie Goodwin, Al Williamson y Carlos Garzón. Mientras, en la serie regular simultáneamente se contaban las historias antes de ROTJ, hasta que en el número 81 se muestra la primera historia que toma lugar después de los acontecimientos sucedidos en el último episodio cinematográfico.


Particularmente en este número, aparece Boba Fett formalmente por primera vez en un cómic de Universo Expandido y el comienzo de su misterioso origen e identidad hasta el 2002 que se resolvió en Episode II: Attack of the Clones; y vimos la aparición de la primer Dark Lady y aprendiz de Vader en una historia de Star Wars: Lumiya, personaje que posteriormente fuera retomado en otras historias del Universo Expandido.

El último número fue publicado en septiembre de 1986, ya con la euforia cada vez más tranquila y la ultima aventura de Star Wars en Marvel. Aparentemente con la cancelación de éste cómic se daba por seguro de que la Saga había terminado. Pero nadie se imaginaba que cinco años después el “Imperio Oscuro” estaba por resurgir con la ayuda de la editorial del “caballo negro”.




Colección Invaluable
La serie de Star Wars de Marvel fue posteriormente publicada por Dark Horse comprando los derechos y sacando a la venta siete volúmenes compilatorios completando los ciento siete números publicados originalmente por la Casa de la Ideas. De igual manera, Dark Horse republicó las adaptaciones de las películas en dos volúmenes por cada episodio. Éste trabajo compilatorio, además de nostálgico, fue parteaguas en los años noventa para el resurgimiento de la Saga. Fue Star Wars quien también salvó a Marvel Comics de una inminente quiebra por venir y se le agradece a Roy Thomas el haber acertado en hacer el convenio con Lucasfilm para publicar Star Wars. Jim Shooter, su sucesor como editor en jefe lo ha dicho en varias entrevistas que de no ser por Roy Thomas y Star Wars, Marvel hubiera ido a la quiebra.




Marvel Star Wars quizá no aportó demasiado comparado a lo que últimamente se está haciendo en cómics referentes a Star Wars, pero si dio el banderazo y es pilar indudable de lo que conocemos como Universo Expandido. Si bien, no se consideran muchas historias tratadas en esta colección como “canon”, si dio muchas ideas, replanteó y retomó personajes y orígenes. Quizá el arte deje mucho que desear comparado a lo que actualmente se está haciendo, recalcando principalmente en el trabajo de los coloristas; pero los seres, las naves, armas y ambientaciones son geniales y muy denotativos a la época ochentera.