miércoles, 17 de marzo de 2010

Detroit Metal City: El Diablo sabe Vender

¡Saludos!
En esta ocasión les comparto un manga/anime que, por gusto hacia la música que tiene quien "postea" en este blog, es publicado aquí en "Comicología": Detroit Metal City. Quizá se desvíe un poco de la idea del blog de profundizar particularmente en personajes del cómic en general, pero en éste post encontraremos una recomendación interesante y que posteriormente podamos encontrarle su lugar dentro de la cultura musical, del cómic y del entretenimiento. Este post fue originalmente publicado como un artículo para la revista mexicana Otaku número 49 de enero del 2010, escrito por este mismo autor de Comicología; con la idea de que esté a disposición de los lectores de éste blog. Comencemos:

DMC, Detroit Metal City. Un anime/manga que por simple vista nos conduce a recordar clichés del mundo del rock; en especial de la música, su industria en el ancho del planeta y todos los seguidores de miles de géneros y tendencias musicales que hay. Un anime especialmente pensado para los que consideran que la música lo es todo en la vida…

¡Vamos a Rockear!
¿A quién no le gusta la música? No me refiero a un tipo de música, sino a la música en general: los géneros, los festivales, los discos, leyendas vivas y muertas, cantar, gritar y hasta interpretar tu canción favorita. Existen muchos mitos en la música, principalmente en el mundo del rock; se habla desde cultos satánicos, mensajes diabólicos y subliminales en las letras de las canciones, en las portadas de los discos, en la actitud de cierto miembro o de toda la banda; drogas por doquier, fiestas sin parar; el backstage con litros de alcohol y murciélagos para comerlos en el escenario... En fin, cosas que se podrían decir que son ciertas, pero en una industria donde lo que importa es el vender, todo se vale. En DMC podemos tener una mirada que rompe -o confirma- todos éstos clichés y paradigmas de los que se han hablado y debatido desde que nació el rock’n’roll como estilo de vivir.


Detroit Metal City es un manga/anime nuevo. Publicado por primera vez en el 2005 y su animación en el 2008. La versión impresa publicada por la revista Young Animal, revista que publica mangas dirigidos a un público más maduro o en otros casos, “adulto”, género conocido por los lectores asiduos al manga como Seinen.

La animación estuvo a cargo del Studio 4°C, con doce capítulos de trece minutos aproximadamente, sinceramente tardó mucho en dar el salto manga/anime y más una historia donde lo importante es escuchar la música que los personajes ejecutan en sus presentaciones; no es lo mismo imaginar notas y líricas que escuchar y “presenciar” un show. Detroit Metal City, es un anime que por su naturaleza no es del agrado de quien no soporte “música que parece ruido” (sic), ya que, el metal –death metal, para ser exactos-, con sus estridentes y orgásmicas notas permanece presente durante todo el anime, siendo la música el principal protagonista de la serie, pues debe estar presente.

La historia se centra en un muchacho llamado Soichi Negishi, fan del pop sueco (Abba, Ace Of Base, por ejemplo) quien es el líder de la banda Detroit Metal City apareciendo como Johannes Krauser II, su álter ego muy contrario de lo que Soichi es pero que al final ambas personalidades vienen siendo la misma persona. Nadie de sus familiares y amigos saben que es Johannes Krauser II y esta situación hace que en ciertos momentos la historia tome tintes cómicos. Los personajes recurren a ciertas actitudes y respuestas que se pueden escuchar dentro del ambiente musical rockero y en contraste a lo que Soichi busca con sus swedish pop podemos ver que no todas las apariencias en el mundo musical son abiertamente ciertas.


Mitos que se vuelven realidades
Aunque es obvio que el nombre y la vestimenta de los personajes fueron tomados del grupo norteamericano de los años setenta, KISS y su canción “Detroit Rock City”, es interesante anotar que muchos de los mitos de los que la banda del anime le rodea semejan mucho a aquellos que se hablaban del grupo de rock americano en sus años de mayor éxito.



La imagen que reflejaba KISS en los años setenta era muy innovadora y atrayente a la juventud; fueron influencia para muchas otras bandas y artistas para crear sus performances. Como todos sabemos (o hay cierta idea), el rock es sinónimo de censura y rebeldía; y a lo que es rebelde, el “sistema” trata de llevarlo al camino “correcto”; en muchas ocasiones se recurren, como en el caso de los rockeros, a ventilar situaciones o inventar historias y rumores que en poco tiempo se convierte en “hechos” que, si bien sabemos es mera publicidad, pueden causar mala imagen o comenzar una guerra mediática donde los perjudicados son los escuchas y admiradores del artista. Anteriormente, el mito de los mensajes subliminales era tan verdadero como las ventas millonarias que obtenían los discos de a quienes les perjudicaba. Ahora es risible que letras de KISS -o de otra agrupación rockera- tengan un mensaje abiertamente –e inclusive, escondido- de carácter satánico en sus canciones.

Han pasado los años y la música junto con su industria crecen y evolucionan.Satanás es ahora un personaje que vende bastante bien que, sin miedos ni prejuicios, las portadas de los discos demuestran sin censura lo que desean expresar los artistas.

Sea "satánico" el mensaje o no, al final nos damos cuenta que lo prohibido y más deseado es lo que más vende; aquellos mitos que surgían aparentemente de grupos de padres conservadores y preocupados por el destino de sus hijos al escuchar a un grupo de "desadaptados sociales" son ahora utilizados cínicamente para crear estilos de vida y modas que vienen y van. Sin embargo, la música sigue, porque la música no tiene géneros ni apariencias; ésas las pone la industria y sus dirigentes que olvidan de la sensibilidad del artista y sólo piensan en hacer montañas de billetes. Ésta es la idea central de Detroit Metal City, un manga/anime que te hará reir, llorar, gritar y girar tu cabeza hasta vomitar sangre.

Del Manga al Anime al Film y también al tributo en CD.
Cuando hayas por lo menos visto los trece capítulos de DMC, no olvides buscar la adaptación cinematográfica de ésta serie que ha tenido una más que mejor aceptación por parte del público y la crítica; situación que –para beneplácito de unos y disgusto de otros- se planea hacer su versión americana llena de actores famosos y miles de millones de dólares en presupuesto. Así también se ha hecho un disco compilatorio con intérpretes y bandas japonesas de rock haciendo sus versiones de las piezas maestras de Johenn Krauser II y su banda Detroit Metal City, vaya que se tenía que hacer. El disco –para aquellos melómanos de corazón- se llama Detroit Metal City: Tribute to Krauser II the metal mix.

¡Nos vemos!

martes, 23 de febrero de 2010

Marvel y Star Wars

Saludos, lectores. En esta ocasión publicaremos la historia de uno de los títulos que Marvel Comics aprovechó en un tiempo para salvarse de una de sus inminentes quiebras pasadas y que por las grandes ventas que tuvo, la editorial "maravillosa" se salvó: Star Wars. Este post es la reproducción "digital" de un artículo que me fue publicado en la revista mexicana "Cine Confidencial" número 35, de Noviembre del 2008.

Un post para fans de la Saga de George Lucas y para los fans del Marvel de los años 70's-80's.

Antes de Dark Empire, Shadows of the Empire y The Force Unleashed ya existía el Universo Expandido de Star Wars. Y no pudo haber otra editorial como Marvel Comics para publicarlos y generar ideas que en años posteriores se volverían a retomar para cimentar o determinar el origen de un personaje, un planeta o del Imperio mismo…



107 Emociones
En 1977, dentro del apoyo sinérgico que George Lucas preparaba para apoyar su primera película de Star Wars, estaba la adaptación en viñetas de ella; y para esa tarea no hubo otra editorial como Marvel Comics para hacerlo bajo la mano y dirección editorial de Roy Thomas -el entonces editor en jefe de esa editorial, desde 1972-, y Howard Chaykin –el mismo artista que se encargó de crear el primer poster promocional de Star Wars en las convenciones, siendo el mas valuado entre todos- en los dibujos y tintas. Siendo el primer número publicado en julio de aquél año ’77 y el comienzo de lo que en futuros años llamaremos todos los fans, el Universo Expandido.

La serie duró ciento siete capítulos, de 1977 a 1986 y con tres números anuales especiales, no podía faltar el sello marveliano de ofrecer algo más que una revista mensual. Casi diez años de emociones y descubrimiento de nuevos planetas, seres inimaginables y sorpresas en cada página de principio a fin, los cómics de Star Wars en sí no aportan continuidad dentro del “canon” pero dio muchas ideas para próximos trabajos.




Los primeros seis números fueron la adaptación de A New Hope, con la diferencia de que no se le suprimieron las escenas borradas de Luke, Biggs y sus amigos en Anchorhead, la aparición del Jabba “humano” que era un alien bípedo que posteriormente fue conocido como la raza Ninbanel. Posteriormente, desde los números 7 al 38 se relatan historias que suceden entre A New Hope y Empire Strikes Back; siendo las primeras historias que iban “más allá de las películas” –como lo decía en la portada del número siete y convirtiéndose éste en la primer historia del Universo Expandido de Star Wars.

En el número 39, comienza la adaptación de Episode V: Empire Strikes Back, escrito por Archie Goodwing y dibujados y entintados por Al Williamson y Carlos Garzón. Para los lectores ya no les hizo sorpresa que en Empire…Darth Vader anduviera en busca del joven que destruyó la Death Star, ya que en números anteriores ésa búsqueda había comenzado y hasta un encuentro tuvieron estos personajes en el número 37 de la serie.





La adaptación de ESB termina en el número 44, dejándonos también como elementos adicionales a la película las escenas eliminadas, tales como el ataque de los Wampas en la base rebelde de Hoth y la escena completa del tanque de bacta. Paralelamente, Marvel saca un compilatorio de éstos números conocido como “The Marvel Comics Illustrated Version of Empire Strikes Back”; cómic caracterizado por incluir a un Yoda diferente al que se conocía en la película utilizando un sketch de Ralph McQuarrie.

La batalla continúa
Después de la adaptación de ESB, J.M. de Matteis y Carmine Infantino se encargaron del argumento y dibujo de la serie, después de ellos Mike W. Barr, Chris Claremont, David Michelinie, Walt Simonson, entre otros escritores y dibunantes; historias que nos iban llevando hacia la última parte de la trilogía clásica. Se relataban aventuras de Lando Calrissian y Chewbacca en el rescate de Han Solo. Vemos por primera vez el nombre propio “Cody”, shadowtroopers, más del planeta Kashyyyk, la primera aparición de K-3PX -el droide de protocolo perteneciente a Darth Vader y que en la colección de figuras del 2008, Legacy Collection, aparece en un 2-pack con su dueño, siendo también K-3PX un referente para que Lucas propusiera que Anakin tuviera en posesión a su droide de protocolo a temprana edad. Mientras tanto, en la sección de cartas de los lectores ya se comenzaba a especular sobre “la otra esperanza” que se refería Yoda en ESB, algunos lectores acertando de que era Leia.

En Octubre de 1983 se publicaba simultáneamente la miniserie correspondiente a la adaptación de Return of the Jedi y dejando paso así a otras historias en la serie regular.

La adaptación de ROTJ, constó de cuatro números y fueron escritos y dibujados también por Archie Goodwin, Al Williamson y Carlos Garzón. Mientras, en la serie regular simultáneamente se contaban las historias antes de ROTJ, hasta que en el número 81 se muestra la primera historia que toma lugar después de los acontecimientos sucedidos en el último episodio cinematográfico.

Particularmente en este número, aparece Boba Fett formalmente por primera vez en un cómic de Universo Expandido y el comienzo de su misterioso origen e identidad hasta el 2002 que se resolvió en Episode II: Attack of the Clones; y vimos la aparición de la primer Dark Lady y aprendiz de Vader en una historia de Star Wars: Lumiya, personaje que posteriormente fuera retomado en otras historias del Universo Expandido.

El último número fue publicado en septiembre de 1986, ya con la euforia cada vez más tranquila y la ultima aventura de Star Wars en Marvel. Aparentemente con la cancelación de éste cómic se daba por seguro de que la Saga había terminado. Pero nadie se imaginaba que cinco años después el “Imperio Oscuro” estaba por resurgir con la ayuda de la editorial del “caballo negro”.





Colección Invaluable
La serie de Star Wars de Marvel fue posteriormente publicada por Dark Horse comprando los derechos y sacando a la venta siete volúmenes compilatorios completando los ciento siete números publicados originalmente por la Casa de la Ideas. De igual manera, Dark Horse republicó las adaptaciones de las películas en dos volúmenes por cada episodio. Éste trabajo compilatorio, además de nostálgico, fue parteaguas en los años noventa para el resurgimiento de la Saga. Fue Star Wars quien también salvó a Marvel Comics de una inminente quiebra por venir y se le agradece a Roy Thomas el haber acertado en hacer el convenio con Lucasfilm para publicar Star Wars. Jim Shooter, su sucesor como editor en jefe lo ha dicho en varias entrevistas que de no ser por Roy Thomas y Star Wars, Marvel hubiera ido a la quiebra.


Marvel Star Wars quizá no aportó demasiado comparado a lo que últimamente se está haciendo en cómics referentes a Star Wars, pero si dio el banderazo y es pilar indudable de lo que conocemos como Universo Expandido. Si bien, no se consideran muchas historias tratadas en esta colección como “canon”, si dio muchas ideas, replanteó y retomó personajes y orígenes. Quizá el arte deje mucho que desear comparado a lo que actualmente se está haciendo, recalcando principalmente en el trabajo de los coloristas; pero los seres, las naves, armas y ambientaciones son geniales y muy denotativos a la época ochentera.

jueves, 21 de enero de 2010

Hellblazer: Nigromancia absoluta.

¡Saludos!
Antes que nada quisiera desearles un feliz año 2010 a todos los lectores de Comicología (que son pocos pero muy ruidosos) y aunque tarde la felicitación -y un nuevo post-, estamos aquí para seguir con otro personaje meritorio de publicar: Hellblazer. Este post es de un artículo que originalmente iba salir en la ya desaparecida -tristemente desaparecida- revista Comic Zone, pero para eso la publicamos aquí:

John Constantine, un nigromante peculiar. Hechicero desinteresado de la vida; un ocultista cínico y brujo y fumador empedernido que, a pesar de su desgano a lo demás que no sea él, propone y resuelve muchas problemáticas en este mundo donde rondan tanto los vivos como los muertos, y que aún no hemos visto nada…



Desde el Pantano
El personaje de Hellblazer, John Constantine, aparece por primera vez en la serie de Swamp Thing vol.1 #37; gracias al talento incuestionable y endiosado de Alan Moore. Cuando éste escritor inglés se encargó del título del monstruo verde en los años ochenta (y en los trazos a cargo de Stephen Bissette), fue en una de las etapas más memorables tanto de Moore como del personaje y es ahí cuando surge John Constantine; que fue en la saga llamada “American Gothic” dentro del mismo título de Swamp Thing.

En esta historia, John Constantine tiene contacto con el Monstruo de los Pantanos para derrotar a las Fuerzas Malignas que buscan apoderarse del mundo vivo. Constantine se entera que Swamp Thing tiene un nexo con la solución a esta amenaza y al encontrarse ambos personajes se sumergen a un viaje por todo el continente enfrentándose a grandes monstruos y sectas diabólicas. En esta presentación de Constantine, el detective-hechicero ayuda a Swamp Thing a reconocer otros de sus poderes con la ayuda de seres similares a Swamp; lo cual termina con la idea de que John Constantine es todo un shamán e iniciador desinteresado para que otros encuentren su camino dentro y fuera del más allá.

¿Es...o no es?
Existen dos temas de los cuales las religiones nos dicen muy poco y el hombre anhela saber más en detalle: comprender mejor el mundo de los espíritus, y conocer nuestro propio destino. ¿De dónde venimos? ¿Existe el mal? ¿Qué dioses son los verdaderos? ¿En verdad hay más allá de la vida? En Hellblazer se plantean éstos temas y otros más.

Durante la historia de la civilización han existido individuos con la capacidad de abrir su percepción de la realidad y llegar a conocer lugares y seres que sólo sabemos en fábulas, cuentos y leyendas. Los nigromantes, son aquellas personas que hablan con los muertos tanto para predecir situaciones futuras o adivinar sucesos. Esto y más es John Constantine.

Suponiendo que si por primera vez te encontraras a John Constantine por las calles, dirías que es fan de la banda “The Police” o que realmente es el cantante inglés Sting ya que tanto su fisonomía como en algunas ocasiones su look semeja al cantante y bajista de esa banda británica. Alan Moore ha dicho que, efectivamente, el parecido de John Constantine con el cantante es conciente porque Moore y Stephen Bissette se consideran seguidores fervientes de la música de The Police y posteriormente del propio Sting como solista; y cuando él y Bissette pensaban en cómo sería físicamente Constantine pensaron en Sting. Aunque, si hablamos de personalidad, el señor Sting no concuerda mucho con la de John Constantine.

Cosa contraria a lo que vimos en la adaptación cinematográfica de Hellblazer, Constantine (2005), donde los productores decidieron darle el papel al actor Keanu Reeves siendo diferente a lo que Moore había concebido físicamente del personaje. Esta decisión hizo que algunos fans se molestaran aunque, por otro lado, dicho casting reclutó a nuevos lectores del detective ocultista. En algunas ocasiones Moore ha declarado a otros medios que un par de ocasiones se encontró con su personaje en la vida real, bueno, no en sí el personaje de Hellblazer, sino individuos que tanto físicamente como en la manera de vestir semejan a su creación; conociendo las preferencias de parapsicología y ocultismo del escritor no es de dudar que su personaje esta efectivamente basado en brujos, hechiceros, shamanes y todo aquel individuo que se especialice en las artes ocultas.

Es atrevido decir que Alan Moore buscaba la oportunidad para meter temas de ocultismo dentro de los cómics en los que tenía a cargo y fue en Swamp Thing el momento de mostrar sus preferencias a lo paranormal con tintes de horror Lovecraftiano.



Como Solista
Si el parecido de John Constantine con Sting es tremendo, el salto a la cima de ambos es un poco similar. Tras tantas peticiones de varios autores a Alan Moore para escribir una serie de Constantine; Moore cedió y en 1988 John Constantine tuvo su serie regular que hasta hoy sigue publicándose dentro de la línea Vertigo de DC Comics: John Constantine, Hellblazer; a cargo del escritor inglés Jamie Delano.

Fue Delano quien le dio más profundidad y carácter al personaje, revelando sus adicciones y tendencias. Donde lo sobrenatural e inexplicable es algo totalmente cotidiano para Constantine como el ponerse ebrio y fumar decenas de cigarrillos durante una mañana nublada.

Hellblazer es una historia donde no existe el desbalance de que el bien siempre tiene que vencer al mal. Algunas veces el bien gana y otras el mal necesita ganar para que exista el equilibrio y la existencia de la vida. Y para que todo eso suceda es importante tener alguien como Constantine: desinteresado ante esa vida que por lo regular defiende para que siga su ciclo. Es por ello que si deseas ser amigo de John Constantine tienes que estar conciente de que posiblemente algún acercamiento cotidiano con él te pueda llevar a mundos y posibilidades de las que jamás habías imaginado que existieran.

Nigromante
John Constantine es un brujo, un detective, una llave al más allá. A diferencia de otros hechiceros que hay en el cómic –y que seguramente son la base para su creación-, Constantine muy difícilmente hace conjuros repitiendo algún proverbio o palabrerío en lengua desconocida; a menos que no le quede de otra, sobre todo en batallas donde está a punto de perder. Constantine prefiere derrotar o lograr su finalidad mediante su inteligencia y conocimientos de lo paranormal, además de contar siempre con una vasta lista de amigos y contactos que lo pueden llevar a donde necesita llegar.

En la antigüedad, los talismanes eran objetos comunes que portaban tanto el conocedor de las leyes de los dioses como el ignorante temeroso a lo desconocido. John posee una serie de artefactos y fetiches para ayudarse en eventos que vayan fuera de su alcance intelectual o de influencias; en su sangre vierte la del demonio Nergal.

Nergal, en la mitología babilónica de nuestra realidad es una deidad representativa del Sol, y que en el mundo de John Constantine suele invocarlo por sus propiedades de sanación; no tan descabellada la idea si pensamos que la batería que mueve nuestro mundo y le da Vida -así como a los demás planetas vecinos- es precisamente el Sol, misma estrella que se encuentra presente en mitologías y culturas de todo el mundo así como en los súper héroes en el mundo del cómic (Dr. Fate, Hawkman, Ibis el Invencible)

Sus actos de adivinación se centran con la utilización de un péndulo –objeto muy usado en el esoterismo para localizar personas y adivinación- y un mapa, que lo ayudan a encontrar disturbios sobrenaturales.

John Constantine supera el poder de un rabino ya que también tiene el poder para crear un Gólem y que le obedezca. Puede dar vida a los muertos y que luchen cual viles zombies contra asesinos y sectarios. Puede hacer olvidarte de las malas memorias o de las desventuras que tuviste que pasar con él cuando tuvieron ambos un encuentro cotidiano que se convirtió en la pesadilla de tu vida y que para ti podrían ser devastadoramente traumáticas y que para John es un día completamente normal mientras busca entre su distintiva gabardina su cajetilla de cigarrillos para encender uno y contemplar el preámbulo del fin de la Humanidad. Así es Hellblazer, así es John Constantine.

jueves, 15 de octubre de 2009

El Hipermito de Saint Seiya, Parte 2.

¡Saludos, lectores de Comicología! Aquí, una vez más para publicar el segundo post referente a Saint Seiya, conocidos también por Los Caballeros del Zodiaco. Si no han leído la primer aparte, empiecen de una vez.

Como quedamos en el post anterior, hablaremos más a fondo de la universalidad y el significado global que Kurumada posiblemente quizo proyectar con ésta serie. Así que continuemos...



Todos protegiendo una sola cosa

Siguiendo con el enfoque de que Todo es Uno y partiendo de que las armaduras de los Santos tienen Vida; Kurumada estipula en su argumento que las propias armaduras tienen memoria, o bien, la memoria de sus portadores, que parecen guardar a veces una relación incluso con el espíritu de ellos. Como se lee en el manga o vemos en la Saga de las Doce Casas, las armaduras "son capaces de distinguir el bien del mal, y las intenciones de su portador" esta capacidad de distinguir, no es otra cosa sino la memoria misma de la armadura y de sus distintos portadores desde hace mucho tiempo este comportamiento marca "la moral" de la armadura.

Para explicar esto podemos referirnos, entre muchas otras ideas, a la del Inconsciente Colectivo de C.G. Jung. En el Inconsciente Colectivo encontramos los arquetipos, los símbolos y la objetividad de las ideas que han ido moldeando nuestra civilización a través de los años, los arquetipos son modelos básicos que se presentan de diferentes formas y que al entrar a nuestro consciente nos provoca asombro o desconcierto.

Si unimos esta idea de Inconsciente Colectivo de Jung con el Hipermito de Kurumada nos da por resultado que ambas cosas es lo mismo; tanto para definir el argumento de Saint Seiya, como su éxito y aceptación en el púbico ya que, como mencionamos anteriormente, los personajes y sus situaciones están basados en ideas, mitos e historias que han moldeado y conmovido a nuestra civilización.

Teniendo por entendido el Hipermito y la Universalidad de las armaduras podemos interpretar ahora la misión primordial de los Santos: Defender a Athena, - en la mitología griega, diosa de la sabiduría, hija de Zeus quien le otorgó gobernar la Tierra. Lo cual nos da como resultado que los Caballeros defienden a la Tierra.

Athena o Atenea, es una divinidad que resalta la virginidad, de hecho, sus estatuas la representan siempre con vestidos largos, aunque también en distintos mitos posteriores se le consideraba una madre y protectora en la guerra, en la siembra, las artes y hasta en el mar. Athena, una diosa protectora, virgen o “intocable” protectora de casi todas las actividades humanas y de los mismos humanos; para mantener esas virtudes necesita de sus Caballeros quienes la protegerán y la considerarán una madre salvaguarda de la Tierra.




Athena reencarna en la joven Sahori Kido, heredera de una organización que, entre muchas otras cosas, reúne a los nuevos portadores de las armaduras que en épocas antiguas defendieron a Athena en la Guerra Santa contra Poseidón. En esta Era, al nacer Sahori y habiendo un complot para asesinarla encabezada por el Santo Saga de Géminis, el Santo Aiolos de Sagitario (quien describiremos mas adelante con mayor detenimiento) logra rescatar a Athena a costa de su propia vida, enfrentando en el camino a dos Santos de Oro –al mismo Saga y a Shura de Capricornio.

Con su último aliento, Aiolos es capaz de dejar a Athena en cuidado de Mitsumasa Kido logrando ponerla a salvo y dejando el legado de su armadura como aquella que quedaría en su memoria grabada que debía de proteger, a toda costa, a la diosa. Eso explica la ayuda que presta varias veces a los Santos protegiendo a Athena sabiendo entonces que la voluntad de Aiolos le dejó esa misión. Tiempo después Mitsumasa reúne a cien muchachos de todo el globo terráqueo para ser entrenados y obtener una armadura de bronce para proteger a Sahori Kido. Al pasar la serie, nos dan como dato de que todos los cien muchachos son hijos de Mitsumasa; representando así una especie de Zeus y Aiolos un mártir redentor.


Los Santos y su Misión

Sahori tiene como “guardaespaldas” a cinco caballeros de bronce: Seiya de Pegaso, Shiryu de Dragón, Hyoga de Cygnus, Shun de Andrómeda e Ikki de Fénix. Estos personajes son en los que se centra la historia. Cada uno, con distintos orígenes, pero con los mismos objetivos.

Como vemos, Atena/Sahori representa entonces a la Vida, lo blanco y luminoso como sus vestidos, sin ella el Mal triunfa y con el Mal viene la Muerte, la oscuridad. Si ella representa la Vida entonces los Santos son sus armas, sus elementos para combatir el Mal. Los Santos de Bronce son entonces representaciones de la materia, de los elementos básicos que crean la Vida: Agua, Aire, Tierra, Fuego y el Alma; o basándonos en la ciencia y los estados de la materia: Sólido, Líquido, Gaseoso y Plasma. Que con sus atributos naturales defienden la Tierra, la Vida y Atena, conformando así la unión y la composición del Todo.

Si catalogamos con estos elementos a cada uno de los cinco Santos de Bronce quedaríamos como: Seiya de Pegaso elemento Tierra, Shiryu de Dragón elemento Aire, Hyoga de Cygnus elemento Agua, Ikki de Fénix elemento Fuego, y Shun de Andrómeda elemento Alma; aunque estas aportaciones podrían contradecir el hecho de que Seiya es heredero portador de la armadura de Sagitario, signo zodiacal que lo rige el elemento Aire, pero por ejemplo Hyoga de Cygnus es Acuario y maneja poderes referentes al hielo.

Cygnus puede aparentar ser muy frío, calculador y tajante; pero, como el hielo, tiene un punto que lo quiebra y lo deshace, en su caso es el lazo sentimental con su madre. El caso de Shun de Andrómeda es muy particular. Shun representa muchas veces la sensibilidad y el coraje; un reflejo de lo que el Humano tiene dentro de su Ser; sin el Alma el Hombre no sentiría, no tendría pasiones ni ataduras a este mundo. Shun de Andrómeda está muy ligado a su hermano Ikki por lo que en muchas ocasiones esa atadura sentimental le impide fortalecerse pero a su vez también lo revitaliza para seguir luchando. Si lo representaríamos como un estado de la materia sin duda es el plasma, materia por la que están compuestas las estrellas y las nebulosas intergalácticas.

Shiryu, que literalmente significa "Dragón Lila" -un color espiritual, las ropas tradicionales chinas que usualmente porta son, generalmente, lilas jade, piedra que, era muy apreciada por los chinos en la antigüedad es también una representación de fuerza y justicia. La armadura del dragón que porta Shiryu, representa a un dragón chino. Kurumada, con su llamado Hipermito, lo une al mito de un dragón que cuidaba el cielo y que habría salvado a Zeus en alguna ocasión. Shiryu representa el elemento Aire, tal y como su Maestro Dohko, quien porta la armadura de Libra, signo regido por el elemento Aire. Shiryu, en varias ocasiones pierde la vista, tal y como es representada la Justicia, quien además ésta porta una balanza, símbolo representativo del signo Libra.





Los Santos de Bronce son doce, cada uno representa un signo zodiacal, pero también cada uno representando un mes del año y del tiempo en que se tarda la Tierra en girar sobre su órbita solar. Si cada mes y cada signo es un momento solar, damos por conclusión de que cada Santo es la representación de nuestra estrella: el Sol, el dador de Vida. En todas las mitologías el Sol es el dios máximo; el dios que lucha contra la noche, la oscuridad, lo maligno. Esa lucha los antiguos la interpretaban como el día y la noche; el encuentro infinito entre las dos fuerzas. Yin Yang.

Aiolos es una representación del bien que siempre triunfa, aunque a veces sea derrotado por un tiempo, pero siempre triunfante al final. Es el bien incorruptible, el que ayuda a aquellos que se apegan al bien a pesar de todo sí, es el del Santo con devoción al extremo del martirio, pero acompañada de compasión y bondad. Si buscamos en la mitología judeocristiana, Aiolos representa un papel de Mesías quien se sacrifica para que la Vida siga, o bien, para que Athena viva. Es el Santo incorruptible, como el Jesucristo cristiano quien no se dejó tentar por Satanás y mantuvo su compasión y sacrificio hacia sus semejantes. La armadura de Sagitario, la cual es descrita en algún punto como "la más poderosa" de las 12.

Aiolos es el Santo Incorruptible, es un Santo que, ni siquiera vemos jamás su cuerpo muerto, más que en una pequeña escena, pero que incluso permanece en el mayor de los misterios, haciendo una aparición únicamente para reunir a los Santos de Oro en el Infierno y así hacer brillar el Sol ahí mismo.

Seiya es el heredero de la armadura de Sagitario, signo que se representa por un centauro cargando un arco y una flecha. La flecha tiene un gran peso dentro de la historia de Saint Seiya, puede ser ofensiva contra Sahori, o puede ser benefactora para destruir muchas amenazas contra ella. La flecha es junto con Seiya, la misma que señala hacia un punto en una brújula, y los puntos cardinales son los demás caballeros de bronce, resguardando su Tierra mientras la flecha da en el blanco.


Las Estrellas

Si seguiríamos encontrando más elementos y representaciones de cada personaje en Saint Seiya veremos que sería imposible resumirlas en unas cuantas páginas. Kurumada tenía bien pensado lo que estaba creando y lo que proponían con Saint Seiya: Que todo en este Universo está ligado. Tal y como las constelaciones que forman una figura, como las partículas que crean cosas palpables, o como el polvo estelar o de nuestro cuarto que es parte de nuestra evolución; que cada ser, cada estrella y cada cosa viva e inerte forma parte de un Todo. El Todo que con el pasar del tiempo se transforma, evoluciona y cumple una función en la Existencia que, al final de cuentas forma parte de ese Todo.

miércoles, 7 de octubre de 2009

El Hipermito de Saint Seiya. Parte 1

Saludos. En esta ocasión enrtraremos al mundo mitólogico de Saint Seiya, aquí va la primera parte de dos que publicaré de un articulo que salió en la revista mexicana "Virtual Kids Edición de Lujo: Antología Saint Seiya" de Junio de 2009. Disfrutenla.
Si hablamos de animaciones con un gran contexto filosófico y cultural podemos escoger -de entre las que tenemos contadas con los dedos- a Saint Seiya: Serie que con el pasar del tiempo se revalora su contenido y se mira bajo la perspectiva de la superación espiritual del Ser Humano. Saint Seiya es preferida de muchos pero, ¿por qué la atracción tan intensa hacia ésta serie? Es notable que la temática mitológica sea el plato fuerte para el argumento; aunque de ahí, podemos encontrar más elementos que jamás habíamos analizado.


Para que no olvidemos
Probablemente sabes al derecho y al revés el origen de esta serie animada; pero para los que apenas comienzan en este medio o para alguien interesado en la lectura de esta serie, necesitamos mencionar que Saint Seiya es inicialmente un manga (o cómic japonés); creado por Masami Kurumada. Saint Seiya fue visto por muchos japoneses por primera vez a través de la revista Shonen Jump, hace veintitrés años. Meses después, en octubre, el casi obligado salto del manga al anime se da y con ello el éxito previsto para todo el mundo.

En México, su aparición televisiva fue en 1992. Con una estrategia mercadológica inmensa y una previa lucha por trasmitirla y obtener sus derechos entre las dos televisoras más importantes del país -que eso quizá contaremos después. Conocida como “Los Caballeros del Zodiaco”, la serie llegó para arrasar ratings y convertirse en el fenómeno que es ahora. ¿Cómo no recordar los “pákatelas!” de Gamesa con imágenes de los Caballeros de Atena? ¿O cada mañana de sábado y domingo en la barra infantil de TV Azteca disfrutar de dos capítulos seguidos de Los Caballeros del Zodiaco? Y mucho menos no poder olvidar la introducción de las figuras de acción de Bandai; las ovas en el cine y posteriormente en formato VHS, y ahora la Saga de Hades, animación que hace resurgir la franquicia en el Nuevo Milenio.


Con todo esto, podemos decir que Saint Seiya es sin duda la animación que hizo voltear a muchos hacia al anime. Saint Seiya, en México, ayudó en los años noventa a que esta industria nipona de entretenimiento – el anime y manga-, tomara sus bases y construyera sus pilares para lo que es en estos días un medio para conglomerar jóvenes, niños y adultos en una idea, estilo de vida o como mero ocio y esparcimiento. Saint Seiya ayudó a que las productoras y casas de vídeo importaran otras series de Japón; ayudó a que el mercado del coleccionista del manga y del juguete (del verdadero coleccionista) se respetara como para seguir haciendo cada año convenciones y expos referentes al tema en el ancho del país, generando también núcleos y redes sociales dentro de Internet y en el mundo real. Saint Seiya también ayudó a que el sector de actores de doblaje sea reconocido por el gran trabajo que hacen al celebrarse dichas convenciones y/o exposiciones.

El asunto del Hipermito.
Como se menciona en líneas anteriores, Saint Seiya ofrece una gama de personajes y situaciones basadas inicialmente por la mitología greco-romana; artes marciales y filosofía oriental budista son preceptos de algunos personajes; astrología, mitos occidentales, nórdicos y judeocristianos. Todo esto mezclado con personalidades, drama y emoción, Kurumada lo denomina con el concepto de Hipermito.

En cada capítulo, en cada temporada conocemos un nuevo personaje quien posee el poder de una constelación, de un dios, o de un poder sobrehumano para luchar contra la Humanidad o bien, para ayudarla que, con esos poderes puede utilizarlos separadamente o mezclados; es por eso que vemos personajes de contexto oriental usar el poder simbólico de una espada occidental.
Saint Seiya es la lucha eterna del bien contra el mal. Una lucha que no es de un dios contra otro, sino de un grupo de seres que han prometido defender a la Tierra, al mundo y a Athena contra las amenazas que buscan la dominación total.


La pieza más importante
Sin duda alguna el propósito principal de los Santos (o Caballeros) es la de proteger a Athena. Cada Santo posee una armadura, mismas que tienen un rango especial y funciones diferentes en la lucha contra el Mal. Hay armaduras de oro, de plata y de bronce. Como primer chispazo cognitivo al escuchar la palabra “Caballeros” -o Santos-, vestidos con armaduras podemos inclinarnos hacia dos vertientes: Una histórica que es la de los Caballeros de la Cruzadas; y otra mitológica ligada a ésta anterior, la de los mismos Arcángeles que en el mito romano apostólico y cristiano son representados con armaduras y espadas cuando luchan contra los demonios.

Originalmente el término Santo es el idóneo para clasificar a estos guerreros, ya que Kurumada se basó en la etimología antigua griega que se le daba a los guerreros que luchaban por una idea religiosa. Por la situación que en el moderno occidente existe sobre la definición de la palabra “santo”, algunos países tradujeron el título Saint Seiya como Los Caballeros del Zodiaco. Durante esta lectura nos referiremos a estos personajes como Santos o Caballeros, para no crear debate y darle gusto a todos.

Si bien podemos definir con ese contexto a las armaduras, Kurumada no quiso quedarse así nada más. Dentro de Saint Seiya, las armaduras además de su rango y función, están creadas por alquimistas y artesanos del legendario y mítico continente perdido de Mu (o Lemuria). Este continente, en nuestra realidad se dice que existió entre África, el Océano Índico hasta llegar al sur del Pacífico, se cree que este continente, como la famosa Atlántida fue sumergido debido a catástrofes naturales.


Los alquimistas, por otro lado, son aquellos que practicaban el arte antiguo de la Alquimia, o al-khem en árabe, que así se le denominaba en la antigüedad a Egipto, lo cual nos da como resultado que Alquimia es la Magia de Egipto. No obstante, la Alquimia es ubicada como una manera “primitiva” de hacer química. Los alquimistas europeos tuvieron como primaria actividad la búsqueda de la piedra filosofal; que no era meramente una piedra sino una serie de conocimientos en los que el que podía manejarla encontraría la manera de convertir el plomo en oro, curar enfermedades y obtener la inmortalidad. Kurumada, sin duda, y partiendo de estos puntos contextuales le dio a sus armaduras el concepto básico para entender porqué algunas armaduras son indestructibles y hasta algunas veces se regeneran.

Quizá Kurumada con su intensión del Hipermito no quiso que las armaduras sean meramente un producto de la Alquimia. Basándose en un contexto sistémico universal –que explicaremos a detalle en párrafos posteriores-, Kurumada argumenta que las armaduras están protegidas gracias a que, entre otras cosas, en su material hay "polvo de estrellas" o polvo cósmico.

El polvo cósmico es aquel formado por partículas muy tenues y que rodean cometas y sistemas solares. Son residuos de planetas, cometas y estrellas; como el polvo que hay en nuestras recámaras, ése polvo tan molesto y que sacudimos regularmente es nada más y nada menos que residuos de nosotros mismos y de todas las cosas que poco a poco se van adhiriendo al mundo y regresando a su lugar de origen: “Polvo eres y polvo te convertirás” como precepto cristiano o en otras palabras científicas “La materia no se crea ni se destruye solo que se transforma”.

Las armaduras de los Santos están hechas de todas las cosas, de todos los elementos y todas las estrellas que han nacido y muerto en el tiempo al que llamamos Vida; son así Armaduras con Vida. Kurumada así une dos preceptos a su Hipermito que durante nuestra Historia han debatido sobre la veracidad entre ellas en lo que se refiere al origen de la Vida y las cosas: la científica y la religiosa. En el siguiente post veremos lo que esas armaduras representan dentro de esta universalidad.


Continuará...

lunes, 28 de septiembre de 2009

Buck Rogers: el Aventurero del Espacio.


Si hablamos de los mejores aventureros que han existido en el género fantástico y en toda la cultura pop occidental, podemos mencionar antes que cualquier otro a Buck Rogers; el resumen personificado de las novelas de Julio Verne, el Indiana Jones del espacio, el vaquero del espacio (antes de Han Solo), el aventurero que H.G. Wells soñaría conocer y quizá, la razón gráfica para comenzar la carrera espacial de la Humanidad…

Una Historia Asombrosa
El personaje de Buck Rogers nace de las páginas de los pulps, pilares de lo que ahora es el cómic, específicamente en el título Amazing Stories, su primera aparición fue en el número correspondiente al mes de Agosto de 1928. Creado por Phillip Francis Nowlan y dibujado por Dick Calkins, un dibujante reconocido en aquellos días; Buck Rogers es el personaje principal de su novela “Armageddon 2419 AD” quien primeramente era “Anthony Rogers” y que al pasar a las tiras cómicas de periódico su nombre de pila fue cambiado a “Buck” en honor a un actor llamado Buck Jones que interpretaba personajes del viejo oeste en el cine. En 1929, Nowlan escribe y es publicada la secuela de “Armageddon…” llamada “The Airlords of Han” (tal vez de éste título George Lucas se inspiró para el nombre de su aventurero espacial Han Solo).

Cuando Buck Rogers saltó a las tiras cómicas, el título de su espacio se llamaría “Buck Rogers in the 25th Century” bajo la licencia de National News Syndicate y su editor y fundador John Flint Dille, persona que tiene el crédito de darle ese salto memorable a Nowlan y su hombre espacial. Rogers debutó en los periódicos en 1929 y sin interrupciones tuvo su espacio hasta el año 1967. Publicado en 400 periódicos y en 18 lenguajes diferentes por todo el mundo, Buck se ha convertido en un ícono.

Nowlan le dio continuidad al personaje y a sus compañeros de aventuras: Wilma Deering, Dr. Huer, Killer Kane, etc. Nowlan también fue de los primeros en utilizar términos en los gadgets de Buck como los rayos paralizadores o desintegradores, rayos infrarrojos, los radios de telecomunicación, etc. Buck Rogers originó que los relatos de aventureros saltaran del Egipto al espacio exterior, provocando la creación de personajes con similitudes a sus historias como Flash Gordon e inclusive Superman y los héroes de la época de oro del cómic. (buck1)

De acuerdo a lo que Nowlan relata en Amazing Stories y en las tiras cómicas, Rogers era un piloto de la Fuerza Aérea de los Estados Unidos, quien sirvió a su país en la Primera Guerra Mundial. Después de que terminara su servicio militar, trabajó como topógrafo que trabajando en una mina en Pennsylvania, queda atrapado y “envenenado” por un gas que lo mantiene en animación suspendida durante 500 años, hasta que Wilma Deering es quien se encarga de despertarlo. Tras pasar por distintas aventuras, Rogers se convierte en cabeza de la armada del planeta Tierra, agente especial y jefe del equipo Rocket Rangers. Luchando contra los Mongols y Killer Kane en cada episodio.

A lo que muchos creen, Buck Rogers no trataba temas suaves y digeribles como para un público general o infantil, a pesar del dibujo “simple” de Calkins. Su temática era seria, sus argumentos maduros, que sólo aquellos lectores con el conocimiento científico y literario suficiente podían descifrar los términos que utilizaban en los diálogos de sus historias. Puede leerse esto como pretencioso o elitista, pero, en la época en que se cocinaba el Sci-Fi, los lectores no eran como lo que el público cree o los medios hacen creer hoy día; el lector de Sci-Fi eran personas interesadas en las ciencias y que tenían un conocimiento vasto de ellas.

Tomando como referencia histórica cuando Buck Rogers vio la luz, en su país de origen sufrían problemas económicos graves, por lo cual es este personaje el resultado de la visión americana para enfrentar y/o desviar sus problemas mirando hacia un “mundo del mañana” donde se habita sin enfermedad ni pobreza; ocasionando también el temor a los aliens y demás amenazas del espacio exterior –un tema que poco a poco sería utilizado con mayor frecuencia-, olvidándose de los problemas que aquejaban al país por aquellos años; curiosamente el tema de seres extraterrestres ha sido utilizado hasta estos días como elemento antagónico dentro del cómic en tiempos duros de nuestra realidad.

Es un punto destacado a notar que Amazing Stories fue uno de los pulps donde ya trataba temas de Sci-Fi sin que todavía el término fuera conocido, por lo tanto se puede decir que Buck Rogers es sin duda un pilar del género e influencia para futuros creadores y narradores de ficción en distintos medios de comunicación. A pesar de que el personaje ha tenido tropiezos de publicación con el paso del tiempo y que haya sido rezagado por otros personajes, como Flash Gordon, Buck Rogers permitió a escritores y dibujantes de la Era de Oro y Plata del cómic, ver más allá de los parámetros de la ficción. (buck2)

Un salto del espacio a la fama
A partir de su primera aparición, Buck Rogers ha aparecido en novelas, cómics, radio, televisión y cine y hasta en video juegos.

Durante su suceso en papel, Buck Rogers en 1932 tuvo su primera emisión radiofónica. Este programa estuvo al aire hasta 1947, y cada episodio tendía una duración de 15 minutos de lunes a jueves por la cadena CBS, en los cuales se narraban historias muy similares a las contadas en impreso pero con la particularidad de que ahora, los efectos de los rayos y demás artilugios de Buck podían escucharse.

Después del suceso de Flash Gordon en celuloide, se produjo un serial del aventurero espacial de doce capítulos, que comenzaron en 1939 y que después fueron divididas como dos películas en los años cincuenta y sesenta con los títulos “Planet Outlaws” para su proyección en salas de cine y “Destination Saturn” para la televisión. En 1950, la cadena ABC lanza a la televisión una serie de Buck, que tuvo una corta duración de nueve meses al aire y ahora es difícil de encontrar fuentes gráficas de ella. (buck3)

En 1979, aprovechando el boom que Star Wars dejó en el cine sobre space-operas y sci-fi, aparece el filme que muchos contemporáneos reconocemos sobre Buck Rogers. En este filme, Buck es un piloto de la NASA quien también aparece 500 años después pero ahora por fallas de su nave: la Ranger 3. Posteriormente a esta película le siguió una nueva serie televisiva con los mismos actores. Esta serie tuvo sus souvenirs y mercancía coleccionable como juguetes, video juegos por Atari y SEGA, y su versión novelizada. Posteriormente en los años ochenta y noventa se publicaron algunos comics y hubo juegos de rol basados en el personaje.

Se ha rumorado un relanzamiento del personaje a la pantalla grande, con Flint Dille como productor, el nieto de John F. Dille, y como guionista y director a Frank Miller, creador de Sin City. Son ahora solo rumores que corren por la web pero esperemos que se reviva a este gran personaje base de la ciencia ficción, la fantasía y la aventura ya que, en tiempos difíciles en el mundo de hoy, necesitamos un poco “olvidar” lo que sucede y mirar hacia un futuro quizás no muy distante.

jueves, 10 de septiembre de 2009

Mazinger Z: El Coloso de Rodas

¡Saludos, lectores de Comicología! De nuevo con un post dedicado al cómic, manga y animación. Ahora es el turno para otro manga/anime que ha prevalecido durante más de treinta años : Mazinger Z.

Este post fue publicado originalmente en la revista mexicana Otaku en su número 40, correspondiente al mes de Mayo del año en curso, 2009. El autor es el mismo quien publica éste post, esperando dar más difusión y ampliar el contenido del personaje que se encuentra en la web.
Así que comencemos:


Mazinger Z: El Coloso más Grande del anime.

Sin temor a equivocarnos, una de las series animadas de origen japonés que ha servido como influencia para otros artistas del género es Mazinger Z. El creador, Go Nagai, posiblemente no se imaginaba del gran impacto que causaría al público y aficionados con las aventuras de este coloso de metal, él quizá solamente quería ver publicada su historia, sin imaginarse que la vería en movimiento y hasta representada en figuras de acción. Mazinger Z, ha prevalecido a pesar de la fecha en que salió al aire tanto en Japón como en nuestro continente. Ha sido de las series japonesas que se han renovado para las nuevas generaciones sin perder la esencia primordial de la serie original de los no muy lejanos años setenta.

Para no olvidar el origen
La mayoría de los lectores y aficionados a esta fabulosa serie animada conocen “de pies a cabeza” la historia y personajes que se desarrollan dentro del “Universo Mazinger”; pero quizá y muy probablemente algún lector joven nos esté leyendo y no conozca mucho del personaje o que en algún momento no le haya interesado por “x causa”. Para éstos últimos lectores les recomendamos éste artículo y ver si cambiamos su opinión, esperemos que sí.

Mazinger Z – como lo leímos en la introducción de este artículo-, fue creado por Go Nagai, el mismo creador de Getter Robo, Devil Man y La Familia Abashiri entre otras; pero su mayor creación es sin duda el fabuloso Mazinger; o Majinga Z, en su idioma original. Mazinger Z se originó como casi todas las animaciones: dentro de un manga.

Fue publicado en la conocida revista Shonen Jump entre los años 1972 y 1973. Faltó poco tiempo para que saltara a la televisión con su adaptación anime y menos tiempo para su éxito mundial. La serie duró 92 capítulos y posteriormente le siguieron Great Mazinger en 1974 y Mazinkaiser en los últimos años además de una serie de OVAS que han salido desde los setenta. Juguetes han salido a montones y réplicas de los artefactos y robots utilizados se venden entre los coleccionistas como piezas de alto valor monetario y también nostálgico.


En nuestro país, Mazinger llegó a mitad de los años ochenta, en 1985 para ser exactos en la barra infantil del canal 5 de Televisa (cuando XHGC Canal 5 transmitía buenas animaciones desde las tres de la tarde a las ocho de la noche). Y como en los demás países donde ha sido proyectada esta serie, el éxito y la apropiación por parte de la niñez mexicana ha permanecido hasta el día de hoy en que los niños de aquellos años, ahora adultos, recuerdan con cariño y le enseñan a las nuevas generaciones que muchas veces lo de antes puede prevalecer y permanecer como algo de hoy.

Mazinger Z en México (y como en todo el mundo) tuvo mucho impacto tanto en la innovación de contar una historia entretenida mezclando géneros narrativos -como la acción, el drama y la comedia-, como en el impacto social y cultural.

El Impacto del Robot
Muchas veces nos preguntamos por qué cierta serie –en este caso Mazinger Z – tiene tanto éxito. ¿A qué se debe que capten la atención no sólo del público japonés quienes disfrutan primero animes y mangas como Mazinger sino de todo el público gozoso de estas series en el globo terráqueo?

Algunas respuestas pueden ser contestadas dentro de la perspectiva artística del creador. Hasta dónde lleva su imaginación para plasmar su idea y que concuerde con lo que buscamos en una expresión; una expresión o idea que tenemos en mente o que sucede en nuestra realidad pero que muchas veces para unos es difícil expresarla, para otros como Nagai no. Go Nagai desde su niñez quiso expresar su gusto hacia la tecnología y particularmente hacia la robótica en una historia.
Además de esto, Go Nagai tiene una percepción diferente a lo establecido, posiblemente fue por su cultura y su forma de explicar o enfrentar el mundo de manera en como él pensaba que era la alternativa o si lo permitimos, como una metáfora de la realidad. Desde sus inicios como dibujante/guionista de mangas tuvo la particularidad de exponer ideas que iban contra algunos valores o moralidades. Entonces adicionando esto, podemos decir que para que una serie sea un éxito de por vida debe tocar los sentimientos y sensaciones del espectador y, el inconsciente colectivo, lugar donde se queda toda la información y conocimiento de nuestros antepasados en nuestras mentes, que al momento de ver íconos revivimos esas sensaciones y sentimientos de los que nos antecedieron.

En Mazinger Z vemos que los personajes están basados e inspirados en la rebeldía y en la lucha de libertad de expresión, de saber escoger y diferenciar entre el camino del bien y del mal. Enseñanzas y puntos argumentales que Go Nagai necesitaba para expresar su idea sobre la tecnología y la relación con el Ser Humano. La tecnología, usada dependiendo de quien la tiene en su poder. La tecnología que puede favorecer a la Humanidad o encaminarla a su perdición.

En el argumento central de Mazinger Z, dos científicos descubren en una isla que una civilización antigua tenía la tecnología posible para crear robots; el Dr. Hell pensaba que utilizando ésa antigua tecnología sumada con sus conocimientos podría dominar el mundo, contrario a lo que pensaba el Dr. Kabuto. Es así como empieza esa lucha entre el hacer el bien y el mal utilizando la tecnología.

Robot Gigante Pionero
Mazinger Z, como anime precursor del género Mecha; el género que reúne todas las series donde prevalecen los robots gigantes como protagonistas. Robots: la expresión mas alta del Ser Humano demostrando su inteligencia y su pericia tecnológica. Los robots en el cine y en la televisión pueden ser amigables o todo lo contrario, pero siempre se busca encontrar un alma dentro de todo ese manojo de metal, cables y tecnología avanzada que los acerque a ser más humanos, el complejo de Pinocho. El robot dentro de los parámetros argumentales en una historia fantástica siempre está al servicio de su creador, el Hombre. Se puede rebelar ante su creador, o seguir fielmente sus directrices; todo esto reflejando la inalcanzable lucha del Hombre por querer a llegar a ser Dios y por otra parte, el cuestionamiento hacia las deidades respecto a sus leyes impuestas. Y es aquí donde aparecen los valores y las tendencias que tendrá y es aquí donde una historia puede ser contada sobre un robot.

En el caso de la obra de Go Nagai, Mazinger es un robot que no es independiente, como por decir Astroboy, y trabaja gracias a las directrices que Koji Kabuto – nieto del Dr. Kabuto- le da para moverse y luchar contra las amenazas que se suscitan en cada episodio. Lo interesante es que si nos dejáramos llevar por la emoción y lo que sucede dentro de una acción en la serie, podemos creer y pensar que Mazinger en verdad es independiente de Koji; que siente y se expresa como un ser humano o, mejor dicho, desearíamos que Mazinger se expresara y sintiera como un ser humano. Mazinger es utilizado por Koji Kabuto para hacer el Bien, mientras que su enemigo el Dr. Hell crea robots gigantes (monstruos mecánicos) para hacer el Mal.

A los niños les gusta mantener el poder y dirigir sus vidas, y claro, no sólo a los niños. Los robots se prestan mucho para sentir ese poder sobre una persona o artefacto; en pocas palabras a todos nos gustaría tener un robot – un compañero inseparable, fiel y que nos obedezca. En la serie Mazinger Z, sus protagonistas son en su mayoría adolescentes y niños, donde parece que, el hecho de manejar un robot gigante para luchar en medio de un Tokio hecho pedazos por las batallas a las que se enfrentan, es un simple y cotidiano juego con su juguete preferido: el Robot.


Fuentes de Inspiración
Go Nagai creció viendo Astroboy y Gigantor y fue gracias a esas series en las que se inspiró para Mazinger Z. Pero una persona tan visionaria y artísticamente creativa no pudo haberse quedado en la idea de aquellas dos series. Go Nagai indiscutiblemente estudió el concepto, origen y mitología del robot y del gigante.

Independientemente del tono moralista y hasta de poder económico que conllevan los términos robot y tecnología; el creador de Mazinger miró hacia la Historia y notó que esos deseos de poder, de querer a ser un dios creando vida –aunque sea artificial- tienen origen en las mitologías e historias de nuestra civilización y que han perdurado hasta hoy en día; algunas veces transformadas y en otras intactas.

En el caso de Mazinger Z, tiene una estrecha relación con la mitología griega y los Espartos. ¿Qué son los Espartos? Los Espartos son seres artificiales creados por Cadmo, quien los creó a base de los dientes de un dragón; seres armados y que posteriormente cinco de ellos lo ayudaron a construir la ciudad de Tebas. Está el mito de Pigmalión, un hombre sabio y escultor quien crea una escultura de una mujer perfecta, a la que sueña que cobra vida, ésta inspiración nos puede recordar a Diana A, Afrodita A y Minerva A -robots femeninos que acompañan a Mazinger, además de que notablemente los nombres de éstas creaciones mecánicas tiene su origen en las mitologías griega y romana.


Gigantes y Colosos
Si buscamos más en la mitología griega para relacionar el origen de Mazinger, vemos que está el Coloso de Rodas; perteneciente a la Isla del mismo lugar. Lugar que escogió Go Nagai para comenzar su historia en Mazinger: Es ésa misma isla en la que el Dr. Hell y el Dr. Kabuto llegan para saber sus destinos y es ahí donde se dice en la Historia que estuvo el Coloso dedicado al dios Helios, personificación del Sol. El Coloso medía 32 metros de altura, hecho a base de bronce y hierro, se le consideró como una de las primeras siete maravillas del mundo, pero un terremoto derribó esta obra y posteriormente desapareció.

Dentro de la mitología romana - muy cercana a la griega-, Vulcano, dios de los herreros, crea también seres artificiales de metal para su servicio y para ayudarle a crear armas y armaduras para los héroes y dioses. Tenemos también dentro de la mitología hebrea al Gólem, un ser creado bajo conjuros de un rabino por medio de la Cábala para proteger a su creador o darle una misión específica para proteger primordialmente la integridad de los hebreos sobre las amenazas que se han enfrentado hasta el día de hoy. Hay una historia sobre un gólem que se rebeló ante su rabino creando muerte y destrucción por donde pasaba.

Todo esto sin contar el predominio y la existencia de gigantes en las mitologías mencionadas, en los que generalmente se describen como seres fantásticos y de gran respeto, como el Goliath del antiguo Testamento o Polifemo de la Odisea de Homero. Pero sin lugar a dudas el Gigante por excelencia viene de la mitología sumeria y la Epopeya de Gilgamesh, quien se convierte en héroe y rey acompañado de su amigo Enkidú. Muy notable la relación como la de Koji y Mazinger.

Violencia justificada
Es bien sabido que en la mayoría de las animaciones japonesas se refleja el pesar y estragos que dejó la Segunda Guerra Mundial y específicamente las bombas de Hiroshima y Nagasaki. Incontables veces vemos que Tokio, Osaka o cualquier otra ciudad japonesa es destruida una y otra vez por explosiones y grandes catástrofes. En el caso de Mazinger, el villano Dr. Hell manda a sus bestias mecánicas a la ciudad a causar dolor y destrucción para asi tomar dominio sobre la humanidad. Mazinger Z y Koji, siempre en alerta luchan en medio de una ciudad en destrozos para vencer. Reflejo notable de un resentimiento hacia lo que Estados Unidos y la misma Guerra hicieron al país natal de Nagai; quien demuestra con los triunfos de Mazinger que la sociedad nipona se levanta entre las cenizas para seguir luchando contra cualquier otra amenaza que les llegara. Cosa que en su momento la crítica no veía en Mazinger, siendo una serie animada encaminada hacia la niñez no podía enseñar violencia extrema o muertes demasiado explícitas.

Paralelamente en nuestro país, a pesar de ésa violencia que Mazinger mostraba en algunos capítulos, la sociedad mexicana optó por arropar a Mazinger como uno de sus héroes favoritos: En aquellos años de su primera transmisión, en 1985, la capital del país sufre uno de sus mayores desgracias debido a un terremoto; quizá no teníamos la capacidad para enfrentar problemas y catástrofes de ése tamaño, -y mucho menos Japón donde también sufren periódicamente temblores y terremotos que sacuden sus ciudades-, ni tampoco teníamos un coloso como en la Isla de Rodas que termina derrumbado por un fenómeno natural similar; teníamos vidas, familiares y amigos que en ese momento perecieron o se quedaron sin hogar.

Pero Go Nagai nos dejó con Mazinger que ante una gran catástrofe siempre hay una esperanza para resurgir ante cualquier adversidad y seguir luchando. Ésa podría ser la enseñanza de Mazinger y es por eso que una serie tan justificadamente violenta prevalece en el corazón y el cariño de millones.