Transformers: Mitología (Parte 1, "Origen e Historia")

¡Saludos, lectores de Comicología! Una vez más -y más pronto que nunca-, hemos regresado para platicar sobre una de las series animadas favoritas del autor, y de muchos lectores: Transformers. Transformers, es un caso excepcional dentro de la cultura pop, el cómic, el cine y para "Comicología" también, no por el hecho de que sea predilección del autor sino que reforzó lo que en tiempos actuales sucede cuando una franquicia necesita sobresalir: la sinergia, el apoyo publicitario de un producto que apoye a otro producto del mismo dueño. Y Transformers es un ejemplo a seguir dentro de esos parámetros, aquellos que George Lucas en 1977 establece con su Star Wars, Hasbro y Marvel Comics lo entienden muy bien, unen sus fuerzas y crean toda un Universo, una mitología y conglomerados de fans por todo el mundo. Esta es la primera parte con la que nos adentraremos en cómo surge la franquicia, quienes estuvieron involucrados y en qué manera presentaron Transformers al mundo. Comencemos:

“Transformers, more than meets the eye!” o traducido a nuestro idioma, “más de lo que ves”: Los Transformers. En el 2007, presenciamos su resurgimiento a través de la pantalla grande; para algunos, fue decepción; para otros, nos recordó aquellos días de infancia cuando cada noche no nos perdíamos un capítulo de estos colosos de metal mientras recreábamos batallas con sus figuras de acción patrocinadas por la ya desaparecida “IGA” (“juguetes con vida”, decía su slogan). Con el advenimiento de una secuela -a muy pocos días de estrenarse mientras se sube este post-, la fiebre resurge y Comicología no podía dejar de comentar y recapitular la historia y el trasfondo encontrado en esta gran franquicia de Hasbro. Transformers ha sido desde sus inicios un gran suceso pese a sus detractores (si los hay). En las siguientes líneas recordaremos sus orígenes y nos adentraremos más este fenómeno de la cultura pop…

Eran los ochenta, 1983, para ser exactos. Hasbro, una de las jugueteras más importantes hasta el día de hoy, buscaba por Japón alguna línea de juguetes que podrían importar al país de las barras y las estrellas para que pudieran competir con los “He-Manes” de Mattel y los “Star Wars” de Kenner (juguetera que en los noventa desaparece y pasa a ser parte de Hasbro). Hasbro ya contaba con la competencia directa de Star Wars: GI Joe, línea que data desde los sesenta pero que en los ochenta fue replanteada tanto en el argumento de su historia como en el tamaño de sus figuras.

De no ser por el éxito que tuvo GI Joe no hubiéramos visto a los Autobots y a los Decepticons ¿por qué? Bueno, muy sencillo: Hasbro para competir con He-Man y Star Wars recrea la línea de juguetes de GI Joe respaldada con una animación y posteriormente con un cómic. La aceptación fue exitosa y así, los ejecutivos de esta casa juguetera deciden mirar al lejano oriente para buscar ideas y traernos a Optimus Prime y sus valientes Autobots en juguete y repetir la fórmula de la sinergia que GI Joe, He-Man y Star Wars tenían: Crear un producto que sea respaldado por otros productos.

Boys just wanna have fun…with robots
En aquellos años, los robots y/o androides en el cine, la televisión y el cómic formaban parte de aventuras y desventuras en series famosas. El detalle es que estas creaciones aunque participaban regularmente o tenían sus apariciones memorables en sus correspondientes no eran los principales protagonistas o no tenían la oportunidad de darles un trasfondo argumental más divertido y digerible para un público infantil; siempre eran los compañeros del personaje principal o en otros casos, la amenaza que derrotar.

Quizá la razón es porque en el concepto de “robot”, éste no tiene sentimientos y es una creación del Hombre para cumplir ciertos parámetros y no salirse de ellos. Isaac Asimov ya había planteado en sus novelas sobre los robots con sentimientos o que tienen más de una razón para elegir entre lo establecido por el Hombre. Pero pocos niños leen a Asimov; a pesar de esto, a los niños les gustan los robots.

Hasbro, en su búsqueda por crear otra línea de juguetes viaja a Japón a la Toy Fair ’83 (o Feria del Juguete) y se encuentra con varios juguetes que podrían interesarle al público americano: Diaclone (1980), Micro-change (1978), Macross (1982), Dorvack (1983) y Beetras (1983); juguetes que habían tenido su éxito en la tierra del sol naciente y que tenían la particularidad de que en sus historias se planteaba la relación robot/hombre. En los cinco casos, tenían el detalle de que aún el robot estaba al servicio del hombre para contrarrestar las amenazas externas del espacio o monstruos tipo Godzilla; por lo tanto, el robot no tenía la autonomía que ellos buscaban para competir con personajes como R2-D2 de Star Wars, Twiki de Buck Rogers u olvidarse de creaciones como la de Arthur C. Clarke, HAL-9000; o como el monstruo tecnológico Skynet en Terminator. Lo que se diferenciaban de los anteriores y definitivamente su clave de éxito fue que éstos robots japoneses se transformaban en automóviles, armas, aviones, etc.

Hasbro logra un acuerdo con Takara y Takatoku, empresas jugueteras que tenían los derechos de éstos robots, para importarlos y recrearles una nueva imagen para que todos formaran una sola línea: Transformers, que serían lanzados en 1984. En nuestro país los primeros juguetes de Transformers llegaron hasta 1985 bajo la licencia de la desaparecida IGA. Muchos recordarán que en aquellos felices años existía otra juguetera llamada Ensueño; que saca la competencia de Transformers de IGA: “Los Transformables” que eran muchas de las figuras que Hasbro no aprobó dentro de las líneas japonesas por su complejidad al transformarse u otro asunto desconocido y que curiosamente en Japón ya son figuras “hard-impossible to find”.

…Y Marvel creó al robot…Autobot y Decepticon los llamó

Ya teniendo los juguetes, lo que Hasbro le interesaba era que sus Transformers tuvieran “vida” y fueran atractivos para los ojos de un niño de aquellos días. Hasbro necesitaba darles un trasfondo y un apoyo argumental. Para esta tarea recurre a Marvel Comics y al entonces Editor en Jefe Jim Shooter, para darles nombre, perfil y todas las capacidades en cada personaje. Shooter se dirige con Denny O’Neill, conocido en el medio particularmente por sus andanzas en Batman y por crear dentro de la mitología del murciélago a personajes como Rás Al Ghul y Azrael; personajes con un trasfondo místico-religioso y hasta paranormal. Y así, ambos escritores comienzan ha inventar los primeros nombres. Muchos de los cuales fueron negados y otros, como Omega Supreme, Optimus Prime, Ultra Magnus y todos los que tenían una etimología greco-latina se quedaron, dándole aquí crédito a O’Neill y a su formación filosófica-religiosa.

Ante muchas negaciones por parte de Hasbro en cuanto a los demás nombres y argumentos, O’Neill se separa del proyecto y es cuando Shooter busca entre la baraja de escritores de Marvel alguien quien pudiera mantener contentos a los ejecutivos de Hasbro. Nadie en Marvel quería escribir sobre robots o tal vez nadie quería meterse en lo que O’Neill había hecho. No fue hasta que Bob Budiansky, un ingeniero civil y escritor de cómics tuvo la tarea de darles personalidad a cada Transformer.

Budiansky fue quien escribió aquellas fichas de personalidad y poderes que venían impresas al reverso de las cajas y blisters de los juguetes transformables; los famosos “profiles” en su lengua inglesa. Budiansky en tan sólo dos días y justo antes del Día de Acción de Gracias del año 1983, revisó y “reconfiguró” algunos nombres y argumento de Transformers, sin tocar lo que O’Neill y Shooter habían hecho.

Algunos nombres que vienen del talento de Bob son Sideswipe y Wheeljack por parte de los Autobots y el mismísimo Megatron por el lado de los Decepticons. La aceptación por parte de Hasbro fue concedida a Budiansky; y asombrados por la inclusión de tópicos militares en cada perfil le preguntaron al escritor si alguna vez en su vida había estado en la milicia; actividad a la que Budiansky no conoció, afirmándoles que fue su profesión como Ingeniero la que le ayudó.

Las personalidades, poderes, historias y debilidades en cada robot estaban listas. Ahora, Marvel se ocuparía de editar mensualmente la historieta de Transformers. Al principio de la serie, Budiansky no formaba parte del equipo creativo sino hasta el número 5. Anteriormente, personalidades como Ralph Macchio, Jim Salicrup y Bill Mantlo empezarían en contar las primeras historias de Transformers. En el arte se encargaron durante su publicación Frank Springer, William Johnson, Mike Manley, Graham Nolan entre otros talentos del medio; pero Don Perlin fue quien se quedó con el crédito del más recordado por los fans. Todos bajo el mando de los editores Don Daley y, por supuesto, Jim Shooter. Apareciendo el primer número en Septiembre de 1984.

Más de lo que lees
Dentro de las historias que trataba el cómic, vemos a un Megatron más obsesionado que en la serie televisiva; a Soundwave y Shockwave confabulando para derrocar a su líder; un Grimlock más inteligente y vivaz que lideró a los Autobots por una etapa; un Blaster con más “actitud”; un Bumblebee menos “infantil”; Ratbat como líder de los Decepticons; humanos que podían engañar y hasta derrotar a los Transformers, e inclusive personajes del Universo Marvel haciendo apariciones especiales y con la otra franquicia de Hasbro, GI Joe, tuvieron historias memorables.

Ésta serie tuvo su contraparte inglesa editada por Marvel UK, la cual, tuvo más duración en los anaqueles que la americana. Primeramente, Marvel UK republicaba semanalmente lo que Marvel sacó en América y posteriormente publicaron historias que los fans americanos no vieron sino hasta en estos últimos años que Titan Books los reimprimió en formato hardcover. En esta serie británica, Simon Furman era el escritor y también es recordado por los trans-fans como otro de los escritores que dieron vida a los “robots en disfraz”. La serie americana duró 81 números mientras que la inglesa fueron 332.

En Japón se imprimieron algunos mangas para darle soporte a la serie y particularmente a una animación llamada Transformers: Zone (1990) y Transformers: Battlestars (1991). Ahora, en el nuevo milenio, Titan Books, Dreamwave e IDW han publicado nuevas historias y replanteamientos de Transformers, así como reimpresiones de los ya ahora clásicos publicados por Marvel Comics. Mientras que la Casa de las Ideas junto con IDW sacaron a la venta un crossover de Transformers / New Avengers tiempo atrás.

Comienza la batalla entre el bien y el mal…por TV
Ya teniendo el respaldo del cómic con Marvel y los juguetes listos para venderse en las tiendas faltaba lo que sería el principal elemento promocional para que todo eso se vendiera conjuntamente: una serie animada. Por aquellos días, todo parecía haberse visto en cuanto a caricaturas hechas en Estados Unidos. Y la idea de llevar a la pantalla chica a Transformers era un éxito seguro; si se trataba de igual manera en que Budiansky planteaba en cada “profile” y lo que Shooter y O’Neill ofrecían con sus connotaciones filosóficas en cada Transformer y en el argumento principal.

Y fue gracias a esta serie que conocimos a los Autobots y Decepticons. Transformers nos encantó, nos enamoró y terminamos venerando a una de las series animadas más representativas de los ochenta y en la historia de la TV.

Fue el 17 de septiembre de 1984 la primera emisión de esta animación producida por Sunbow Productions y Marvel Productions. Una animación semejante a lo que se había visto en GI Joe pero con la “cereza en el pastel” de robots transformándose en autos, aviones, pistolas, caseteras, máquinas excavadoras, insectos gigantes, dinosaurios; todos compartiendo el mismo espacio, luchando entre ellos y reproduciendo el arquetipo de la lucha entre el bien y el mal.

Muchas de las historias y biografías que se trataban en la animación no concordaban con lo que sucedía dentro del cómic. Básicamente, Buzz Dixon y Flint Dille, los escritores más sobresalientes de la serie (quienes ya habían trabajado en Gi Joe), se inclinaron hacia los perfiles técnicos y biográficos de las figuras que Budiansky creó, así como en el planteamiento y guión fundamental de Shooter y O’Neill. Mientras que los ilustradores y diseñadores, el japonés Shohei Kohara y el filipino Floro Dery se encargaban de estilizar y mejorar los personajes para su versión en TV como para el cómic.

Durante la primera temporada las historias, aparentemente, no presentaban mucho contexto más que la presentación de personajes que respaldaran las ventas de los juguetes y el cómic. Pasando a la segunda temporada, las historias comenzaron a entrelazarse y darle seguimiento a las personalidades de los ya conocidos Transformers. Al final de ésta, en 1986, se proyectó en cine Transformers: The Movie, escrita por Flint Dille; que sería la presentación de nuevos personajes y la muerte de Optimus Prime, líder de los Autobots; hecho que a la afición disgustó y, casi al final de la Tercera Temporada traen de nuevo a la vida.

Ésta película, fue piedra angular para comenzar una tercera temporada de la serie. Los guiones tenían una total continuidad y relación entre cada uno; y se “resolvieron” muchos enigmas en cuanto al origen de los Transformers. Se trataban también temas más “sci-fi” que en sus antecesoras. Le siguió una cuarta temporada con muy pocos capítulos que después los japoneses retomarían para realizar sus series Zone, Victory, Headmasters, etc. Series y detalles que quisiera ahondar en otra ocasión.

Transformers tuvo su éxito porque no se había presentado algo así en la televisión, sin contar GI Joe; Hasbro y Marvel habían logrado un fenómeno y, ayudados por Sunbow y Toei Animation (y posteriormente por la casa productora coreana AKOM) en la producción y animación surge una de las series más recordadas en la historia televisiva.

Un detalle más que tuvo la serie en comparación con sus personificaciones en juguete; era que algunos no tenían el rostro o la anatomía exacta. Varios ejemplos podemos recordar pero los más notables eran los de Ironhide y Ratchet, donde sus juguetes no tenían ninguna similitud a su contraparte animada; detalle que los fans piden todavía a Hasbro para que saquen a la venta esos personajes más parecidos a la serie.

(continuará en el próximo post: Parte 2, Mitología y paralelismos)

Dragon Ball: La Historia del Rey Mono.

Saludos, lectores. Estamos nuevamente con un post en "Comicología". En esta ocasión, regresaremos al mundo de la animación y tomaremos un poco lo que es el manga que, siendo también un conjunto de imágenes secuenciales semeja al cómic occidental, quizá con otra forma de lenguaje ( y de idioma) pero muy cercano -y hoy en día mucho más- a nuestros gustos como lectores de cómic.

En esta ocasión le daremos espacio a una de las animaciones más famosas: Dragon Ball.

Este post fue anteriormente publicado en papel dentro de la publicación mexicana "Otaku" en su número 32 del año 2008.

Y para sanar la resaca de lo que nos dejó la última adaptación cinematográfica aprovecho este espacio para hablar de una ( de muchas) de las mejores historias en manga y en animación jamás contadas.

Como la mayoría de las animaciones japonesas de éxito, Dragon Ball surge de un manga. Este manga fue creado por Akira Toriyama, en 1984. La historia nos relata las aventuras de Son Goku y sus amigos Bulma, Yamcha, El Maestro Roshi, etc. Si eres fan o mínimo has visto por la televisión un capítulo de Dragon Ball o leído el manga, no tendrémos la necesidad de extenderse en algo que muchos ya saben como es la historia, los personajes y su creador. Trataremos de encontrarle algún significado intrínseco a esta animación que nos ha cautivado y también servirá para refutar la idea de que Dragon Ball son puros golpes, violencia y que nada tiene de positivo.


Sólo un deseo
La base central de la historia es la reunión de 7 esferas que, al tenerlas juntas, se invoca al dragón Sheng Long (dios dragón, en chino) concediendo un solo deseo, el que sea. Por lo general ese deseo se le da a quien haya reunido las esferas. Siete esferas que pueden representar muchas cosas por el peso esotérico, cabalístico, simbólico-religioso en nuestra cultura como lo son los siete días de la creación, los siete sellos del Apocalipsis o los siete pecados capitales. Éstos últimos, llegaría a pensar que son los que representan cada esfera. ¿Por qué? Porque durante la serie lo que vemos son deseos humanos para saciar la lujuria, la vanidad, la soberbia, etc. Y la enseñanza es, que por mucho lo que uno “desea” o anhela algo “inalcanzable” no lo obtendrá sino piensa en el prójimo y su porvenir.

Es notable también que los personajes de la misma raza de Goku que tuvieron un protagonismo destacable dentro de la serie sean siete: Goku, Vegeta, Gohan, Goten, Trunks, Nappa y Radditz. Sheng Long, inmutable y sin intervención directa hacia quien busca su deseo refleja y nos enseña que los humanos somos frágiles y efímeros. Aunque también tienen como simbolismo la iluminación y enseñanzas de Buda, que en las próximas líneas leeremos…

El Rey Mono
Son Goku, el personaje principal de esta serie, es un extraterrestre que cayó a nuestro planeta y fue recogido por un anciano llamado Gohan. Años después, Son Goku se entera de que viene del planeta Vejita y que su raza, llamada Saiya-Jin, es guerrera, teniendo como su misión original destruir el planeta Tierra, como lo hace su raza a cada planeta que visitan y conquistan en el universo, Goku por su crecimiento y desconocimiento de su origen se niega rotundamente a sus raíces y se mantiene fiel a proteger el planeta que lo acogió.

Todo Saiya-Jin tiene la peculiaridad de transformarse en un mono gigante, siendo este su poder máximo y distinción de su raza. Claro que en episodios posteriores el poder del Saiya-Jin trasciende a Super Saiya-Jin (poder reconocido por la “melena de pencas de plátano”)

El nombre y la mitología de Son Goku, proviene de la leyenda de Sun Wukong, el dios mono de la mitología china y personaje de la obra clásica china Viaje al Oeste. En esta historia Sun Wukong acompaña al monje Xuanxang a la India para recuperar unos sutras (discursos y enseñanzas de Buda para llegar a la iluminación espiritual completa), Sun Wukong viene siendo un personaje travieso y muy inquieto. Éste dios mono, era un dolor de cabeza para el Reino Celestial, quien tuvo que ser enviado hasta con Buda para someterlo hasta que se orinó en un dedo del máximo dios y lo mandó con XuanXuang a que se corrigiera. ¿Cuánta similitud con la personalidad de Goku, verdad? Y sobre las esferas del dragón pues son esos sutras que andan buscando el monje y Sun Wukong.

En esta obra se habla también de unas “píldoras de la inmortalidad” que Sun Wukong le había robado a Lao-Tse, creador de el Tao Te King, del ser y no-ser, del Tao; todo un Yoda en la mitología china. Buda y Lao-Tse representan todos los maestros, dioses y semi-dioses que hay en Dragon Ball; mientras que las píldoras de la inmortalidad pues definitivamente son esas famosas “píldoras del ermitaño” que tomaba Goku para hacerse más fuerte o para sanar milagrosamente después de una épica batalla.

Explosiones y traumas niponas
Es muy notable en cada anime que vemos la secuela que dejó la Segunda Guerra Mundial en los japoneses: explosiones al por mayor, hongos atómicos, violencia, muertes de personajes principales y el resurgimiento de éstos ante la amenaza final de cada serie.

En Dragon Ball Z, particularmente, vemos demasiadas explosiones, en exageración podríamos afirmar. Uno como occidental y más subjetivamente, como mexicano, no puede comprender el significado real de estas expresiones en el noveno arte y en otros medios artísticos de expresión y divulgación oriental.

Así como en México se trata de “domar” al pueblo con telenovelas con mensajes de “amor-desamor”, de hospitalidad, relajo y con fuertes valores familiares; en los japoneses se trata de divulgar la superación constante del individuo ante las peores adversidades inimaginables (aunque también hay otro tipo de series con otro tipo de mensaje, cosa que no sucede en la producción telenovelera mexicana).

Es demasiado arriesgado y hasta ingenuo decir, o escuchar a alguien decir, que las “caricaturas” japonesas sólo tienen mensaje de violencia”. Nuestro mundo occidental no lo entiende –o trata de entenderlo- de esa manera porque estamos acostumbrados a entender como violencia el primer reflejo “animal” del ser humano ante una amenaza; siendo para los nipones la última llave para sobrevivir y superar lo adverso para llegar a la iluminación espiritual.

Ésas explosiones, además de trasladar nuestros paradigmas hacia el exterminio pueden significar la energía humana transportada y visualizada en un campo físico luminoso que puede usarse para crear, o en otros casos, para destuir. El poder que el Maestro Roshi enseña a Goku –el Kame-hame-ha-, es la concentración de esas energías, de la unión de todo nuestro campo electromagnético que emanamos como seres luminosos y pertenecientes a un sistema universal, otro caso más ilustrativo sería el poder del Genki –Dama, que es el reunir toda la energía de todos los seres vivientes y de todas las cosas que nos rodean concluyendo que la idea de que “todos somos Uno” se estipula en cada cultura.

En Dragon Ball, está muy reflejado en Vegeta y Nappa la representación de las bombas atómicas que devastaron las ciudades de Hiroshima y Nagasaki al final de la Segunda Guerra Mundial; éstos personajes también podrían representarse como los Estados Unidos de Norteamérica, Vegeta; y La Unión Soviética, Nappa; que al pasar la serie, Vegeta se une al bando de Goku de la misma forma en que E.U.A. y Japón liman asperezas.

La Red Ribbon, obviamente es representación de la amenaza Soviética en los ochenta. Piccolo venía siendo el enemigo de la India del que hablaba la historia de Sun Wukong, aunque también denota por el turbante la idea de un terrorista o líder fundamentalista árabe. Todos y cada uno de los personajes villanos a los que se enfrentaba el personaje Goku (vestido de rojo, como el sol naciente) tenían una interpretación que iba más allá de las explosiones, muertes y gemidos. Y en cada capítulo se refleja ese deseo de trascender y llegar al máximo nivel de existencia humana.

Saludos. Los espero en el siguiente post.

Wolverine: Aquiles en un estado de Shock.

¡Saludos lectores! Comicología les trae ahora un personaje del que muchos aficionados al cómic leen y están al tanto de su historia dentro del Universo Marvel: Wolverine.

Wolverine fue creado por Len Wein y John Romita apareciendo por primera vez en el título The Incredible Hulk #181, en 1972. Dibujado por Herb Trimpe, en este número Wolverine se enfrenta al gigante esmeralda quien después tiene encuentros memorables en la crónica de Marvel. En 1975, Wolverine es incluído como parte de la nueva sangre de mutantes dentro del imprescindible Giant-Size X-men #1. A partir de esa fecha el mutante con garras aparece en mini-series y demás títulos mutantes y de otros héroes del Universo Marvel. Hoy, es indiscutiblemente el personaje de los X-Men que más recuerda la gente siendo también el protagonista de las últimas adaptaciones cinematográficas del grupo mutante de Charles Xavier.


¿Por qué Wolverine es tan atrayente hacia lectores, fans y público en general? Ésta pregunta es el pretexto para hacer éste post. Partiendo de la mitología griega, Wolverine es el nuevo Aquiles; invulnerable y rápido en su ataque pero con un punto de vulnerabilidad que, en el caso de Aquiles era su talón, el de Wolverine siempre ha sido la compasión y el deseo de que las cosas tengan una congruencia para resolver su pasado y tener un futuro con más esperanzas. El animal del mismo nombre para basarse en crear a este personaje –el wolverine, o en español, glotón- es un animal que vive en el norte de los Estados Unidos y en Canadá y también al norte de Asia; es también un animal carnívoro rápido, fuerte y feroz; características predominantes en la personalidad de James Howlett o mejor conocido como Logan, o simplemente Wolverine.

No Futuro

Wolverine fue creado en una época de cinismo y pocas esperanzas hacia un futuro inmediato. En Estados Unidos -lugar donde se apareció por primera vez este personaje-, en la década de los setenta, el famoso Escándalo de Watergate conmociona a la ciudadanía norteamericana, develando –y en algunos casos, reafirmando- los actos y decisiones fuera de la legalidad y la ética política por parte de sus gobernantes dentro del territorio estadounidense y además involucrándose en asuntos de otros países para beneficio de la madeja de líderes norteamericanos. Los americanos se vieron engañados por las palabrerías de Richard Nixon. Se refleja un sentimiento de desengaño, frustración y falta de fé en la atención mediática hacia asesinos seriales como el Zodiaco, Ted Bundy, el Hijo de Sam, entre otros que hacen “su justicia” o en algunos casos se ríen de un sistema social que los ha rechazado desde su núcleo, creando un estado de pánico en la sociedad, o en otras palabras, a un estado de shock masivo.

La gente ya no cree en sus líderes y buscan la verdad de la vida en el entretenimiento, personalidades banales y en lo que los medios masivos les ofrescan. Es cuando también en el cine aparecen los famosos anti-héroes y personajes como Harry “el Sucio” Callahan, Frank Sérpico o Travis Bickle de Taxi Driver quienes hacen justicia por su propia mano al ver un mundo policiaco corrupto y de políticos desinteresados en su pueblo. Wolverine es también el resultado de un gobierno que le ha mentido y que aún así ha servido fielmente porque sigue creyendo muy en el fondo de que aún hay esperanzas y que la verdad de todo está en algún lugar.

Fuerza Secreta

James Howlett, es un mutante de nacimiento quien venía de una familia acaudalada en Canadá. Su padre –John Howlett- era reconocido por la comunidad, así como el padre de Aquiles en la mitología griega -el rey de Mirmídnes- Peleo y su distinguido abuelo Éaco. James, primeramente era un chico enfermizo quien al presenciar la muerte de su padre y el suicidio de su madre se activa su poder mutante y muestra sus garras retráctiles características entrando a un estado de shock que lo convierte en un salvaje; el shock le ocasiona desviar de su mente las muertes de sus padres y su poder regenerativo mutante de sanar cualquier herida le ayuda a olvidar esos acontecimientos y muchos de los que estaría por vivir. Fue así en cómo comienza su vida deambulando y tratando de encontrarle una razón a su vida, cuando finalmente la encuentra, en muchos casos la pierde; comúnmente la dirección que busca es la falta maternal que tuvo en su infancia trasladando ese cariño en mujeres cercanas hacia él que mueren o le dan la espalda.

Dentro de su origen, Logan se presta para un experimento militar al que se le conoce primeramente como Weapon-X, fue en ese experimento cuando recibe en su cuerpo la aleación de adamantium en sus huesos y en sus garras, lo cual lo hace más invulnerable. Wolverine, dentro de esa etapa sirve al gobierno canadiense y estadounidense para misiones ultra-secretas donde se necesita la ferocidad y ser lo más sigiloso para lograr el objetivo. En su primera aparición, su misión era enfrentar y acabar con Hulk.

En nuestra realidad se sabe que existen grupos de élite militares que se encargan de misiones quirúrgicas para asesinar a una amenaza personificada hasta para derrocar un gobierno. Por los años en que Wolverine había aparecido en los cómics, en Estados Unidos se vivía una amenaza conocida como Socialismo representada por la U.R.S.S., la C.I.A -entre muchos equipos y grupos secretos que creó esta organización gubernamental- crea el grupo llamado Operación 40, grupo de élite que se encargaba precisamente para derrocar gobiernos e inmiscuirse entre los que consideraba peligrosos particularmente Cuba y grupos con tintes socialistas y revolucionarios en América Latina. Este grupo fue quien comenzó todo el escándalo de Watergate al ser encontrados dentro de las oficinas del Comité Demócrata Nacional enviados por el Presidente Nixon como parte de una serie de actividades ilegales y que ocasionaran que salieran a la luz muchas de las suciedades que el gobierno americano de Nixon hizo en su mandato, como fraudes, sabotajes, corrupción, crímenes, espionaje y desvío de fondos.

En algunos arcos argumentales de Marvel, ponen a Wolverine como miembro de un grupo secreto con habilidades extraordinarias como las de él. Muchas de estas misiones no las recuerda porque sus superiores ordenaban borrarle la memoria. Estas maquinaciones posteriormente las conoce Logan acrecentando su furia y salvajismo al atentar contra su persona o a la integración de las personas que aprecia. Esto refleja mucho lo que anteriormente se dijo en párrafos anteriores sobre la manipulación y engaño por parte de los líderes y gobernantes ocasionando frustración y falta de fé hacia ellos.

Por todo esto, Wolverine –como Harry el Sucio o Travis Bickle- toma las armas y sale a encontrar la verdad y hacer justicia sin representar alguna bandera, grupo o insignia. Wolverine trabaja solo, pero siempre pensando en sus cercanos.

En busca de la Eterna Verdad
Wolverine es un mutante que a pesar de su desinterés y salvajismo al enfrentarse a sus enemigos, es un ser humano que busca la verdad y el camino mismo de la Humanidad en lo que llamamos Historia. Tanto la Humanidad como Wolverine se pregunta: ¿Quienes somos? ¿De donde Venimos? ¿Hacia dónde vamos?

Este personaje por lo que lo seguimos es porque es una analogía de la Humanidad tal y como es. Sin gadgets ni artilugios que lo ayuden a avanzar tecnológicamente ni agrupándose demostrando desmesuradamente su cariño e interés hacia sus semejantes. Que posiblemente exista un talón de Aquiles que nos haga caer y entrar a una desdicha que nos quiera vencer, pero que a pesar de todo la vida sigue. Wolverine nos muestra que mientras pase el tiempo, la Humanidad, por mucho que avance tecnológicamente o biológicamente, los sentimientos y los valores más grandes son los que importan para seguir y no claudicar en la búsqueda de la Verdad. Quizá nunca la encuentre, quizá siga así toda la vida, como la Humanidad.

Flash Gordon. Born in the USA

Uno de los personajes pilares dentro del género sci-fi no cabe duda que es Flash Gordon; a diferencia de sus contemporáneos Flash a seguido dentro del gusto y predilección en los amantes del género y en el público general. Ya sea en cómic, televisión o cine, Flash Gordon ha perdurado hasta nuestros días.

Una aventura inolvidable
La creación de Flash Gordon se le atribuye al dibujante Alex Raymond, persona ya conocida dentro del medio por su trabajo en una tira llamada Super Agent X-9 que, junto con Dashiell Hammet crearon en X-9 la piedra angular en los agentes secretos e historias de espías con gadgets. El 7 de enero de 1934 dentro de una tira o “comic strip” para el King Features Syndicate aparece Flash Gordon.

Cinco años antes del lanzamiento de Flash Gordon, Buck Rogers salta de los pulps a las tiras cómicas y le da paso para que después Raymond conteste con su propuesta de Flash Gordon que inmediatamente se vuelve favorito entre los asiduos a estas lecturas y le despoja el lugar privilegiado a Buck Rogers. Aunque muchos consideran a Flash Gordon como una space-opera que como sci-fi; Flash y sus historias han hecho sus méritos para considerarla ciencia ficción.

La historia refleja mucho el sentimiento y perspectiva de la ciudadanía americana con respecto a la Primera Guerra Mundial y los hechos consecuentes que estaban por ocasionar una Segunda, así como en la diáspora judía a finales del siglo anterior.
Flash Gordon, en la trama de la tira cómica, es un jugador de polo, que junto con un científico, el Dr. Zarkov y Dale Arden, la belleza de la historia, por cosas que sólo suceden en el sci-fi, llegan al planeta Mongo donde lucharán contra el tirano Ming, quien pretende conquistar la Tierra y expander su imperio. Mongo, es un pueblo oprimido por el yugo de Ming; en él Flash Gordon durante sus andanzas trata de encontrar aliados, para derrotar a Ming e impedir que la Tierra sea conquistada.

El personaje Flash Gordon refleja lo que los jóvenes americanos, austeros y sin complicaciones, dedicados a sus vidas y sin saber de otras realidades, son llevados a tierras desconocidas para ellos a luchar por un país y una causa; situación que actualmente se vive todavía en Estados Unidos y en muchos países. Su juventud vive alienada con su gobierno y recibiendo lo que ellos buscan solamente por la televisión, el internet y por la creación de ídolos dentro del entretenimiento. Flash Gordon es el arquetipo del americano a seguir: Joven, atleta, con ideas muy polarizadas sobre el bien y el mal sin cuestionar altos mandos pero con un sentido aventurero y heroico.

Mongo, el pueblo oprimido; aquellas comunidades como la judía, los mismos pueblos mesoamericanos y los invadidos durante todas aquellas desastrosas guerras en el Historia de la Humanidad se reflejan en sus habitantes.

Ming, es la dictadura y tiranía personificada e inspirada en el gobierno alemán de aquellos días, aunque como sabemos, las dictaduras y personajes opresivos hacia sus gobernados siempre habrá. Actualmente podemos hacer el paralelismo de Ming con Saddam Hussein cuando invadió a Kuwait en 1990, o dos años cuando mató a cientos de niños y mujeres de origen kurdo en 1988 para ocupar Kurdistán. Quizá nuestra memoria nos ubique a Ming con un personaje como George W. Bush, con sus ideas de colonialismo e invasiones en el Medio Oriente.

El personaje con El Dr. Zarkov y Dale Arden, acompañan a Flash Gordon, son sus cimientos personificados; por un lado tenemos al Dr. Zarkov: simboliza la razón, el porqué Flash lucha por un pueblo ajeno a su tierra y por su Tierra misma. Dale Arden es la esperanza, el corazón y la representación maternal, de su país y de sus orígenes. No podemos concebir a Flash Gordon sin sus compañeros ya que son sus alicientes para terminar sus aventuras. Dale Arden siempre está amenazada, secuestrada o en cualquier peligro para que Flash la salve, de esta manera –y sabiendo la representación de Dale-, Flash Gordon sirve a su planeta y a su país.

Del cine a la Televisión
El éxito de Flash Gordon mereció un serial de películas que se proyectaron a finales de los años treinta: Flash Gordon con Frederick Stephani y Ray Taylor (1936); Flash Gordon's Trip to Mars, con Ford Beebe y Robert F. Hill (1938); Flash Gordon Conquers the Universe, nuevamente con Ford Beebe y Ray Taylor (1940). Y en los años 1945 y 1955 se produjeron otra serie de TV con sólo 39 episodios con Steve Holland.

Sin duda, el referente más cercano que tenemos de Flash Gordon es la película producida por Dino DeLaurentiis y dirigida por Mike Hodges, en 1980. Protagonizada por Sam J. Jones como Flash Gordon; Melody Anderson interpretando a Dale Arden, Topol como el Dr. Zarkov; Max Von Sydow como Ming; el futuro James Bond: Timothy Dalton como el Príncipe Barin y la hermosa y sensual actriz Ornella Muti como Aura.

La película no obtuvo la taquilla esperada, quizá porque las actuaciones y los diálogos se volvían demasiado ridículos y los clichés americanos resaltaban en escenas que pudieron aprovechar con algo mejor en vez de terminar la historia con un final en interrogación. Definitivamente, lo rescatable de esta producción, además de las actuaciones de Ornella Muti y Timothy Dalton (quien en años posteriores se le señalaba como un Tony Stark para una posible película del héroe Marvel en los años 90), es la banda sonora que Freddy Mercury y su banda Queen compusieron. Un soundtrack que hoy en día se sigue vendiendo y es apreciado como clásico entre los trabajos de la banda monarca.

Otro referente más próximo es su protagonismo en la serie animada Defenders of the Earth (Defensores de la Tierra) en 1986. Por razones desconocidas para el autor de éste blog el nombre de Flash Gordon fue suprimido y cambiado a “Roldán, el Temerario” para el público latino. En esta serie, Flash lidera a un grupo de súper héroes conformado por personajes contemporáneos de los pulps y las tiras cómicas (Fantasma, Mandrake y Lothar) para luchar nuevamente contra la amenaza de Ming. Producida por Marvel y King Features, ésta serie animada en o que respecta a México tuvo sus seguidores e inclusive se siguió transmitiendo años posteriores.

En 1996 Hearst Entertainment realizó una serie animada para la televisión, en ella Flash Gordon y Dale Arden son adolescentes y tiene que encontrar a los padres de Flash, que son astronautas y por una puerta ínter-dimensional llegan al planeta Mongo. La serie sólo duró veintiséis capítulos.

Dos años después, DC Comics lanza una serie donde Flash Gordon y todo lo que Raymond creó lo echan a la basura para crear a un Flash Gordon que juega basket-ball. Ante esta bazofia, se creía que el concepto de Flash Gordon había terminado en el olvido. Hasta que, en 2004 el director Stephen Sommers adquiere los derechos cinematográficos del personaje y se comienza a especular sobre un nuevo proyecto.

En 2007, SciFi Channel produce una serie nueva de Flash Gordon revitalizando todo el concepto. Flash interpretado por Eric Johnson, viaja con Dale (Gina Holden) a un planeta Mongo, que visualmente tiene tendencias del cyber-punk ochenteno. Ming ya no tiene rasgos orientales, sino es un anglosajón rubio interpretado por John Ralston.

En esta serie, conocemos sobre los orígenes de Flash Gordon. Sabemos que el padre de Flash es el Dr. Lawrence Gordon muere cuando Flash tenía la edad de trece años. Flash es un tipo ordinario que por situaciones del destino se enfrenta a sucesos que lo entrelazan con Mongo y su gobernante Ming. La serie no ha saltado a la cúspide pero esperemos que se vaya creando dentro de este nuevo concepto la imagen intrépida, fascinante, llena de emoción y aventuras que Flash Gordon y sus aliados nos han deleitado durante estos años.

Flash Gordon es otro pilar dentro del cómic americano, que necesita reaparecer con todo su esplendor ya sea en televisión, cómic o cine para las nuevas generaciones. Sus bases son sentimientos que el Ser Humano en su sociedad los vive de acuerdo a la cultura en que se desarrolla pero que no pierden el objetivo que es el de reconocer el bien, el mal y actuar conforme a las necesidades que tu comunidad te pide como individuo sin caer en la ceguera mental y convertirse en un intolerante.

He-Man: El Poder de la Palabra.

Un saludo lectores. He aquí un nuevo post. Dedicado ahora a una animación que ha prevalecido en el cariño de muchos: He-Man and the Masters of the Universe. Así como en otros post, éste fué también publicado en la desaparecida revista mexicana "Comic Zone" en septiembre de 2008, y considero que merita publicarse en Comicología.

Comencemos...

“¡Ya tengo el Poder!…” Decía el Príncipe Adam al convertirse en el Hombre más poderoso del Universo: He-Man; uno de los proyectos ochenteros sinérgicos que marcaron una generación y que por su éxito y nostalgia en el nuevo milenio tuvo su resurgimiento tanto en la TV, en el cine y en el cómic; y ya se planea para dentro de pocos años el re-lanzamiento a la pantalla grande prometiéndonos un He-Man nuevo y mejorado. Pero, antes de que este suceso cinematográfico esté a nuestros ojos, veamos un poco el origen de este personaje y porqué ha sido un ícono en nuestra cultura moderna.

He-Man and the Masters of the Universe fue un proyecto que vió la luz en 1981 a través de las figuras de acción, los mini-cómics y posteriormente en televisión.
Las figuras de acción y los mini-cómics estuvieron a cargo de Mattel Inc., mientras que la serie animada por Filmation. En 1982, DC Comics tuvo un espacio para He-Man en su título “DC Comics Presents” en el cual He-Man hace mancuerna con un Superman transportado a Eternia y la presentación oficial de los reyes Randor y Marlena y del Príncipe Adam. En 1986, Marvel Comics tuvo luego la misión de publicar las aventuras de He-Man basándose más en los juguetes y sus mini-cómics que en la animación de Filmation.

En 1987 vimos una adaptación en cine que no dejó muy contentos a los fans, mientras que simultáneamente se preparaba una “precuela” de la animación llamada “The Powers of Grayskull” que contaría un poco más el origen de He-Man, Sorceress, Skeletor y el Castillo Grayskull; tanto la serie como la línea de juguetes por cuestiones de baja popularidad en la franquicia ya no vieron la luz. Poco después en 1990 se intentó revivir la franquicia con una nueva serie que llevaba a He-Man y a Skeletor en ambientes futuristas llamada: The New Adventures of He-Man; la cual tampoco tuvo su éxito. No fue sino hasta el 2002 que Mike Young Productions, Mattel y Cartoon Network reviven con una nueva serie basada en la original pero visualmente más fresca y actualizada a las nuevas generaciones, la serie tuvo lo que lo anterior a ella y los posterior a la serie de Filmation no pudieron hacer: revivir y sentir el Poder de Grayskull.

El remake cinematográfico de esta serie se espera para un par de años, producido por Joe Silver y distribuído por Warner Borthers. Sin duda, será un total suceso ya que promete mostrar a He-Man tal y como es en la serie y el cómic y no lo hecho en 1987.

Concepto de El-Hombre
Originalmente, la palabra “he-man” en la cultura americana se refiere cuando se resaltan las características masculinas perfectas en una persona: gran musculatura, estatura considerable, voz fuerte y “varonil”, buenos modales, etc. A mediados del siglo XX, en muchas revistas y cómics en sus páginas de anuncios se veía la publicidad del Instituto de la Voz Perfecta de Chicago que ofrecía cursos para obtener una voz de he-man (“you can have a he-man voice”, decía el slogan), la cual incrementaría tu seguridad, influencia y poder al momento de relacionarte con los demás; el curso se llamaba “Voice Power & Personal Power” impartido por Eugene Feuchtinger. Aunque Feuchtinger se refería a entrenar la voz para obtener éxito, ser más jovial física y mentalmente el concepto de “He-Man” se refiere más que nada al cambio trascendental al que puede llegar un individuo descubriendo los secretos que el poder de la voz tiene. Feuchtinger sigue impartiendo esos cursos en Chicago y sigue recalcando que la voz tiene muchos secretos para poder llegar al triunfo y obtener poder.

Origen de El-Hombre
Al inicio, He-Man and the Masters of the Universe, no iba a tratar de las aventuras de Adam, Orko y el reino de Eternia sino de la máxima creación del escritor de pulps y fantasía Robert E. Howard: Conan. Todos los diseños de los juguetes y los bosquejos de la serie animada iban a reforzar en cuestiones de mercadotecnia a la película protagonizada por Arnold Schwarzenegger a principios de los ochenta, Conan the Barbarian. Por razones de las cuales en una se dice que Mattel, la empresa juguetera que ha tenido los derechos de He-Man, estudió a conciencia el contenido de Conan optó por negarse a seguir con el proyecto, sin dejar lo ya diseñado y reutilizarlo para crear lo que sería después Masters of the Universe.

El encargado de la apariencia y los juguetes de He-Man fue el diseñador Roger Sweet. Sweet, trabajó para Mattel durante las décadas de los setenta y ochenta; fue quien tuvo la idea de la apariencia de los juguetes y su clásico mecanismo característico de la cintura en las figuras de acción. Roger Sweet se proclama él mismo como la persona que concibió el nombre de He-Man apoyándose en la idea que el nombre podría utilizarse en muchas maneras y situaciones, ya sean de fantasía, sci-fi o situaciones más reales.

Teniendo en cuenta el origen urbano de la palabra “he-man” y la dirección a donde iba primeramente el personaje antes de ser precisamente He-Man -aunque Sweet se niegue en aceptar que lo del proyecto de Conan fue la base para su creación-, podemos ir teniendo una idea clara del mensaje y el argumento que tendría la serie, los juguetes y en sí todo el concepto de Masters of the Universe.

El famoso escritor y guionista Donald F. Glut, escritor de varios episodios de series animadas como Super-Friends y mejor conocido como el escritor de la adaptación de la novela de Star Wars: Empire Strikes Back, fue quien se encargó de crear el trasfondo y la mitología de He-Man and the Masters of the Universe.

Glut, ya había trabajado en adaptaciones televisivas como Tarzán, Drácula, Spiderman, Shazam, entre otros; lo cual la tarea de darle un trasfondo de ciencia ficción, fantasía, retomar un poco el concepto inventado por Robert E. Howard con su personaje Conan: “Sword-and-Sorcery” (es decir, espada y hechicería); revolver todos esos ingredientes y crear la historia de Grayskull, Skeletor, He-Man, etc, no le sería tan difícil después de todo.

Por el Poder de Grayskull
Existen dos orígenes, por decirlo así, de He-Man: el que se plantea en los mini-cómics –aquellos que venían en las figuras de acción- y el de la serie animada.
En la representación impresa, He-Man no tenía una identidad secreta y no era parte de la realeza sino un personaje que se acercaba un poco más al concepto de Conan. Aquí, He-Man era acompañado por Man-at-Arms, el Maestro de las armas y Teela, una diosa guerrera; tanto Skeletor como He-Man poseían una espada que al juntar ambas y hacer una sola se revelarían los secretos del Castillo Grayskull, es por eso que la figura de Skeletor tenía una espada similar a la de He-Man y así como en el cómic ambas espadas de juguete podían unirse y hacer una sola espada.

El entorno de Eternia no era un planeta casi pacífico como en la serie televisiva, sino que estaba en una etapa post-guerra que abrió puertas dimensionales y que en una de ellas el malvado Skeletor llegó. Quizá el entorno post-apocalíptico nos recuerde mucho a la serie animada Thundarr the Barbarian; y todo el argumento de la espada, los guerreros y dioses a lo que Howard hizo en Conan y también en el Señor de los Anillos de J.R.R. Tolkien.

Según Steve Grant, uno de los escritores de aquellos cómics, dice que a Mattel no le importaba más que el origen y trasfondo de los personajes principales ya que el único plan de la juguetera era vender juguetes y que la serie televisiva fuese la base central para que éstos se vendieran, por lo tanto algunos orígenes de personajes secundarios dentro de los mini-cómics se quedaron en el limbo y no se vieron en juguete o en la caricatura. El editor de aquellos cómics, Lee Nordling, dijo en una entrevista que Mattel comenzó a interesarse más en los cómics ya que en un estudio de mercado vieron que los niños en Estados Unidos utilizaban estas historias como juego de rol, mientras que en otros países como el nuestro algunos niños guardaban esos cómics y realmente se interesaban en la trama que se planteaba en ellos.

En la serie televisiva, muchos de ustedes lectores ya conocen el origen de He-Man: hijo del Rey Randor y la Reina Marlena; ésta última una astronauta de origen terrícola que en uno de sus viajes espaciales su nave cayó en Eternia, enamorándose del Rey Randor y convirtiéndose en su Reina. Lo cual podemos decir que Adam/He-Man es una especie de semidios desde la perspectiva de un terrícola; lo cual podemos relacionar esto con personajes mitológicos como Hércules y Gilgamesh, los cuales son considerados semidioses en sus culturas correspondientes. Es así como He-Man ha podido mantenerse en las masas gracias a su relación con personajes mitológicos como los mencionados.

El nombre de Adam viene indiscutiblemente del nombre del primer ser humano que habitó la Tierra específicamente en el Jardín del Edén, todo esto dentro de la mitología judeo-cristiana. Y si seguimos relacionando a He-Man con esta historia podemos encontrar que el Paraíso y el Jardín del Edén son representados por Eternia y el Palacio Real donde viven Randor y su familia (en las escenas que suscitaban en el Palacio la mayoría mantenían paz y tranquilidad), mientras que el Árbol de la Vida es representado por el Castillo Grayskull… ¿porqué? Bueno, el Árbol de la Vida contenía el fruto de la sabiduría y según la serpiente que tentó a Eva para comer de él se volverían dioses ella y Adán; mientras que el Castillo Grayskull esconde sus secretos que obviamente He-Man y She-Ra – Adora, la hermana gemela de Adam- cuidan y que por el Poder que Grayskull les confiere se convierten en seres invencibles, como dioses. Esos secretos podemos deducirlos como el Conocimiento del Bien y del Mal y de todas las cosas en el Universo y el fruto del Árbol viene siendo la Espada.

Las Palabras Mágicas
Podemos adentrarnos más en la mitología del cómic americano y ver que He-Man and the Masters of the Universe tiene bases en la creación del escritor Bill Parker y el dibujante C.C. Beck: El Capitán Marvel, Shazam.

He-Man tiene a su hermana She-Ra así como el Capitán Marvel tiene a su hermana gemela Mary Marvel, en ambos casos los gemelos representan a Osiris y a Isis en la mitología egipcia. Tanto los Marvel como He-Man y She-Ra tienen relación con la mitología egipcia. Por un lado, la transformación de ambos simbolizan la muerte de Osiris y el nacimiento de Horus, el dios Sol; o Ra en dinastías egipcias posteriores. Por otro, en el nombre She-Ra vemos que sería una traducción como “la diosa del sol”, también éste personaje asemeja mucho estéticamente a las Valkirias nórdicas, quienes se dice que eran mujeres guerreras hijas de reyes humanos; aunque también se dice que eran sacerdotisas de Odín.

El Príncipe Adam, para convertirse en He-Man además de alzar su espada tiene que decir simultáneamente un conjuro que es vociferar la frase “Por el Poder de Grayskull” y así convertirse en el Hombre más Poderoso del Universo. Billy Batson, el álter ego del Capitán Marvel o mejor conocido como Shazam, para convertirse en tal héroe tiene que hacer lo mismo que Adam pero diciendo la palabra “Shazam”, que es el acrónimo de los nombres de Salomón, gratificándole a Batson su sabiduría; Hércules, su fuerza; Atlas, su resistencia; Zeus, su poder; Aquiles, su coraje; y Mercurio ofreciéndole su velocidad: Virtudes que cualquier ser humano desearía para dominar el mundo.

Teniendo esto, podemos relacionar el concepto de Feuchtinger de la palabra he-man en sus cursos para dominar la voz y las palabras mágicas que He-Man o She-Ra necesitan para tener el Poder; entenderemos perfectamente el mensaje de la transformación de Adam y Adora y el porqué todos de niños deseábamos ser He-Man o inclusive tomar como modelo referencial a este personaje cuando se tiene deseos de superación en la mayor de las posibilidades y en situaciones a las que nos enfrentamos día a día, inclusive aún, a manera de mofa.

El Balance de las Fuerzas
Siguiendo con los paralelismos mitológicos y del cómic para conocer más sobre He-Man, podemos llegar a relacionar el Universo de Eternia con el Universo que Jack Kirby creó con los New Gods. En esta obra de Kirby se presentan dos mundos; uno utópico llamado New Genesis liderado por Highfather, y otro llamado Apokolips gobernado a mano dura por Darkseid. En el Universo de He-Man sabemos que existe un planeta “gemelo” o paralelo a Eternia llamado Etheria; uno es gobernado por Randor y de no ser por las amenazas de Skeletor el planeta sería utópico. En cambio, en Etheria existe el yugo de Hordak quien hará lo imposible por terminar con una rebelión en contra de su poder encabezada por Adora, la hija de Randor y Marlena.

En el argumento de New Gods, el hijo de Darkseid es criado en New Genesis, Orion, y se convierte en el enemigo de Darkseid mientras que el hijo de Highfather, Scott Free, es criado en Apokolips pero se libera y se convierte en Mister Miracle. He-Man vive en Eternia y She-Ra en Etheria; ella fue raptada y criada por Hordak siendo niña y al crecer se libera y es líder de las fuerzas rebeldes contra Hordak.

Eternia y Etheria simbolizan el balance del yin-yang oriental. En Eternia todo es casi paz y tranquilidad de no ser por las fuerzas malignas de Skeletor, todo lo contrario de Etheria que el desastre y el mal gobierna el planeta pero que She-Ra y los rebeldes tratan de impedir que se expanda. En el Taijitu, el símbolo que representa el yin-yang, She-Ra es el puntito blanco del yin y Skeletor es el puntito negro del yang.

He-Man y She-Ra son ese balance del Universo, que a la vez forman un solo individuo y que también relacionaríamos con el signo zodiacal Géminis. Estos hermanos representan también a los hermanos gemelos Apolo y Artemisa en la mitología griega y, como mencionamos antes, en Isis y Osiris.

Sorceress, la mujer que vigila del Castillo Grayskull y sus secretos se transforma en águila y es una especie de oráculo quien mantiene una conexión psíquica con los gemelos de Randor y Marlena. Sorceress simboliza la inmortalidad, como el águila significa para algunas culturas. El Ba, el estado inmortal en la mitología egipcia, muchas veces se representa como un águila, así también como Horus es quien resucita a Osiris y lo guía como Sorceress en cierta manera “resucita” a He-Man en el cuerpo de Adam.

La serpiente y la muerte
Skeletor, el antagonista de Master of the Universe tiene un origen no contado del todo pero si aceptado por casi todos los fans, por mucho que Mattel no quiera soltar la verdad sobre su origen. El origen que se maneja a medias es que Skeletor fue alguna vez Keldor, hermano de Randor que por algunas circunstancias se convirtió en Skeletor. Este origen se trató de plantear en los mini-comics y en la nueva serie animada de 2002 se dijo que su nombre fue Keldor pero no hermano de Randor.

La mitología egipcia y la judeocristiana representan al Mal como una serpiente o un carnero. La aparición del carnero en Skeletor está en su báculo o cetro con el que hace conjuros y rechaza ataques enemigos. Tal como en la mitología egipcia se considera el cetro uas, o was, que era un símbolo de poder, fuerza y dominio que en su extremo superior coronado por la cabeza de un animal. Seth, el dios egipcio del mal y las tinieblas que en sus representaciones portaba un cetro como éstos. El carnero simboliza en el Antiguo Testamento al Imperio Persa, aquel que conquistó Medio Oriente y Grecia.

En la serie original, Skeletor era un ser de otra dimensión, que aprendió las artes oscuras de Hordak. Skeletor contruyó su “Montaña Serpiente” lugar donde maquina sus próximas amenazas. En la serie del 2002, La Montaña Serpiente le pertenecia a King Hiss, una especie de faraón egipcio que lideraba a los Snake-Men u hombres-serpiente. King Hiss también aparece en la serie animada y tiene su origen como parte de una flotilla de conquistadores espaciales que llegaron a Eternia.

Todo este concepto de los hombres-serpiente, además de relacionarse con los egipcios y la simbología de este animal, relaciona lo que vemos en Conan y en la película “Conan The Barbarian”, donde el maligno era Thulsa Doom, quien tenía la habilidad de convertirse en una enorme serpiente. Aunque Thulsa Doom originalmente era un ser con rostro de calavera (como Skeletor) y villano de Kull the Conqueror -otra creación de Howard. En esta versión cinematográfica se utiliza para villano de Conan pero parece ser como otro villano del Bárbaro: Thoth Amon, que tenía el poder de invocar al dios egipcio Seth representado por una gigantesca serpiente.

Volvamos a repetirlo
Aunque la serie del 2002, producida por Mike Young Productions no rebasó lo que la serie original de Filmation logró en los ochenta, si revivió el concepto y el buen recuerdo de una de las series más recordadas en la historia de la animación, el cómic y la televisión.

“He-Man and the Masters of the Universe”, es de las pocas series televisivas que a pesar de que el protagonista solucione las adversidades con el contacto físico violento; deja al final el mensaje que para llegar a ése límite se debe razonar y evitarlo a toda costa. Con todo su trasfondo mitológico y cultural “He-Man and the Masters of the Universe” es una serie que realza la fraternidad, el respeto hacia los demás y al medio ambiente, y puede ser vista por toda la familia. No hay irreverencias o situaciones sarcásticas como en las animaciones actuales; quizá el antagonista sea muchas veces presentado como torpe y hasta cómico, pero nos enseña a que el Mal está ahí afuera eternamente amenazante.

Skrulls: Teoría de la Conspiración Alienígena

Saludos lectores de Comicología. Abirendo este 2009 -aunque ya un poco tarde, pero al fin llegamos- con un nuevo blog sobre los héroes y personajes que aparecen dentro del cómic; la lectura preferida de muchos y en la que refleja mucho lo que nuestra Sociedad vive y siente. En esta ocasión tomaremos como tema a una raza alienígena del Universo Marvel y que ha sido protagonista desde inicios de la editorial en los años sesenta. Sólo para tomarlo como nota: éste artículo ya ha sido publicado de manera impresa en la desaparecida revista mexicana Comic Zone en Septiembre de 2008, sabiendo que es un artículo de mi agrado y de más lectores decidí postearlo. Bueno, comencemos.

Con la nueva macro-saga que Marvel México publica este año (siendo el evento del 2008 para Marvel en Estados Unidos), la raza alienígena conocida como Skrull tomará su lugar como la peor amenaza en todo el Universo Marvel, o específicamente, en la Tierra y sus héroes. “Secret Invasion” nos hará recordar que no todo lo que es parece ser así…y que no hay que confiar en nadie, ni en tu vecino. Los Skrulls han estado infiltrados dentro de la sociedad, han aprendido nuestras costumbres, inclusive, han tomado la identidad de héroes… ¿Reflejo de la paranoia colectiva que se vive en Estados Unidos de los últimos años? Vamos a ver…

¿En quien confiar?
Es el lema que Marvel utiliza para promover su evento veraniego que resolverá y revolverá lo sucedido con los marvels en los últimos años, ¿sus principales protagonistas? La raza alienígena conocida como Skrulls.

Los Skrulls aparecieron por primera vez en Fantastic Four #2 en 1962, creados por Jack Kirby y Stan Lee; y a partir de ese momento esta raza ha sido utilizada para resolver algunas lagunas e incoherencias que por lo regular los escritores y editores tienen en cuanto a la continuidad del universo, en este caso del Universo Marvel. Muchos marvelitas y aficionados al cómic piensan que para remediar lo sucedido en House of M, Secret War y Civil War, la Casa de las Ideas toma como recurso predecible a estos aliens de aspecto verdusco. Tal parece que es lo más adecuado y normal justificar que todo el embrollo sucedido en las mencionadas historias haya sido culpa de los Skrulls. Pero, así como en éstas últimas sagas tienen su trasfondo histórico-social, los Skrulls y Secret Invasion tienen el suyo.

Primeramente, el lema de “en quien confiar” nos da referencia a que cualquier persona podría ser realmente un ser ajeno a nuestra especie, en este caso un Skrull. Los Skrulls, por su apariencia son para darles la vuelta y no tener ningún contacto con ellos; son una raza guerrera o más bien “peleonera” según la concepción un poco cerrada y simplista del inconciente colectivo estadounidense, que dentro de lo que nos han relatado en toda su historia de vida buscan invadir la Tierra y poner a la humanidad a sus pies. En pocas palabras, son una amenaza.

Bien podríamos resumir que los Skrulls son la metáfora actual del terrorista que se ha infiltrado en la sociedad norteamericana, tal como sucedió en los ataques del 9/11, donde sus perpetradores materiales estuvieron viviendo, estudiando y conviviendo entre los americanos, en la mismísima Tierra de las Oportunidades…y vaya que sí fue oportunidad; aprendieron a pilotear aviones en escuelas norteamericanas de aviación…El gobierno americano y sus organismos encargados para el control de inmigrantes no pudo, o no quiso, mantener un registro o monitoreo amplio sobre este tipo de personas ajenas a su país.

Habiendo sucedido esto, sale a la luz la vulnerabilidad del país más influyente y poderoso del planeta; especulando teorías de que grandes organizaciones y personas con el poder necesario para decidir el destino de un país estuvieran confabuladas en el trágico septiembre 11 del 2001. En el universo Marvel, vemos ahora que héroes como Black Bolt y Elektra eran en realidad skrulls infiltrados. Black Bolt, uno de los miembros del grupo selecto de los Illuminati y representante de los Inhumanos; Elektra, líder de la organización criminal conocida como The Hand; y así como ellos, se han revelado como skrulls Hank Pym -Vengador y uno de los genios más grandes de la Tierra (después de Reed Richards y Tony Stark, claro); Erwin Jarvis, mayordomo de la antigua mansión y ahora torre de los Avengers, y el oficial de S.H.I.E.L.D, el Comandante Dugan.

Grandes personalidades con una influencia enorme, ¿no creen? Se pierde la confianza entre lo que eran pilares y ejemplos a seguir; como la figura presidencial americana actual que cada día que pasa va decayendo. George W. Bush, con todas las malas decisiones y actos reprobables disfrazados como patrióticos lograron que los americanos - o la mayoría-, pedían que el tiempo pasara más rápido para que su mandato terminara. Algunos aficionados al mundo Marvel asociaron a Bush con Tony Stark en Civil War, podría tener algo de ello, pero, mientras más se conoce la verdad sobre la infiltración Skrull, se puede apreciar que quizá Tony Stark no es el Judas y que hay que desconfiar en cualquiera. Aunque algunas veces la historia dice que debe haber un Judas a quien culpar de todos los males...

Infiltración y paranoia
Los Skrulls están en todos lados, pasan como ciudadanos o como héroes o gobernantes. La estafeta de “no deseados” que tenían los mutantes, reflejo de las minorías en la sociedad americana, se le está concediendo a los Skrulls, aunque ahora sin algún matiz de simpatía por parte de los lectores. Si en Estados Unidos, a la raza negra y latina principalmente se les hacía a un lado, ahora con todo el problema de terrorismo y de guerra ha ocasionado que los norteamericanos exijan un registro y monitoreo de éstas comunidades que, conforman ciertamente la mayoría “ilegal” que trabaja y reside en el país. El problema de saber quien es ilegal y quien no es de que muchos ciudadanos norteamericanos llevan raíces latinas o africanas y son ya ciudadanos hechos y derechos, pero, una sociedad que le han infundido el miedo no sabe diferenciar, o más terrible aún, el ciudadano se pregunta: ¿cómo saber si tu vecino o compañero de trabajo es en realidad un inmigrante ilegal o peor, un terrorista? Tal parece que en este párrafo y específicamente con la pregunta anterior, no se hace diferencia entre una persona que busca empleo en la Tierra de las Oportunidades y otra que busca matar millones de personas. No, no se trata de igualar sino de ejemplificar la paranoia americana que vive hoy día y que es reflejada en los Skrulls y en Secret Invasion.

Lo que el americano trata difícilmente de aceptar es que, como el “alien”, el residente aparentemente más ejemplar podría ser parte de el desgajamiento del sueño americano o peor aún: quien creen que es el más patriota y el ejemplo a seguir puede resultar un traidor; y esto lo vemos reflejado en historias antagonizadas por Skrulls.

Podemos hacer también analogía de los Skrulls partiendo de su origen y tiempo en que fueron creados. Los Skrulls fueron el resultado de otra paranoia americana, la del comunismo. Los “marcianos” o seres de otros planetas que invadían la Tierra tanto en el cine, TV y en cómic eran resultado de ese miedo y desprecio infundado por el gobierno estadounidense para combatir la “marea roja” representada por la entonces Unión Soviética. En aquellos años, existía la infiltración de simpatizantes socialistas-comunistas entre la sociedad americana y su persecución por parte del sistema, de igual manera como hoy, no se podía confiar en tu vecino… ¿y si era comunista?

Más paranoia
Se puede ver desde otro punto de perspectiva histórica lo que está sucediendo en Marvel si tomamos como referencia a Europa, los judíos y el nazismo de principios del siglo XX. Una de las principales razones de la persecución judía por parte de la Alemania Nazi fue que se decía que los judíos estaban “invadiendo” Europa demográfica y económicamente hablando; la mayoría de las empresas importantes y personajes influyentes del viejo continente eran judíos. Esto ocasionó que el nacionalsocialismo promulgara la expulsión y expropiación de todo lo que el “pueblo de Yahvé” había trabajado y creado en Europa no siendo su territorio sino de la famosa raza aria, verdadera dueña del territorio europeo.

Adolf Hitler lo llevó más allá: “registró” y exterminó a la mayoría de los judíos que vivían en Europa. Todo para mantener el poderío ario representado por Alemania de aquellos años. Sucede que tiempo después, hemos sido informados por distintos medios a través de la historia de que algunos nazis fueron a esconderse en otros países después de la derrota de Alemania y que el nazismo es también doctrinado en territorio americano por algunos sectores de la sociedad, ocasionando el desprecio hacia otras razas y la división entre el pueblo americano. El pueblo judío, a pesar de todo esto, no decayó y sus emigrantes, los que llegaron a Estados Unidos durante finales del siglo XIX y principios del XX, llegaron a establecerse y a formar parte en muchos sectores, en el que nos concierne, del entretenimiento: la mayoría de los creadores del mito del súper héroe tienen origen judío.

Confiemos
En Secret War vimos cómo el gobierno americano se hizo de la vista gorda al conocer que varios súper-villanos residentes en E.U.A. eran patrocinados por Latveria, referencia de la guerra contra el terrorismo y el 9/11; en House of M supimos lo que sucedió con la “minoría más poderosa” como los mutantes: exterminio, la exclusión de las minorías y el principio de la desconfianza hacia lo que el americano desconoce de otras razas y costumbres; en Civil War, vimos cómo se registró y se dividió el sector de súper-héroes, la división del pueblo americano gracias a las decisiones de sus mandatarios y el reflejo de que los símbolos representativos de la patria no pueden contra lo que la máquina (el sistema) exige al individuo, registrarse o morir; ahora con Secret Invasion, podemos empezar a especular que todo lo anterior es el resultado de un mal manejo por parte de quienes gobiernan y de gente que busca la desaparición de la especie, que en lo único para poder salvarnos es entrar a nuestro interior, mirarnos y juzgar nuestras acciones como humanos y darnos cuenta si en realidad somos eso, humanos.

¿Quiénes somos? ¿Qué hemos hecho durante nuestra vida? ¿Hacia donde llevamos el destino de nuestro planeta? Cualquiera de nosotros, de ustedes, puede ser un Skrull: un demonio interno que está acabando con la verdadera razón del Ser.

Lex Luthor: El Anticristo Calvo

Saludos. Aprovechando el espacio, quisiera felicitar a todos los lectores de Comicología y desearles un feliz año 2009; esperando que todos sus deseos se cumplan e invitándolos a que sigan Comicología. También aceptamos sugerencias para postear sobre qué superhéroe o villano, o hasta saga/arco argumental quisieran que desmenuzáramos en este su blog.

Quisiera proporcionar el dato de que lo aquí presentado en este post ya fue publicado por el mismo autor (Tito) en la revista mexicana Comic-Zone en Septiembre de 2008, por aquello de que si alguien lo ha leído no se sorprenda o piense que hay información robada, y claro, para las personas que no, es precisamente uno de los propósitos de este blog; darle al lector una perspectiva diferente sobre el superhéroe y el cómic.

Para empezar este año, postearemos algo referente al villano número uno en DC Comics: Lex Luthor.

Uno de los mayores villanos que existe dentro del género del cómic es indiscutiblemente Lex Luthor, podríamos atrevernos a decir que es el mayor; tal vez no el mejor, pero sí el más importante. Bastante tiene con ser el antagónico del arquetipo del superhéroe del siglo XX: Superman. ¿Será posible que la personalidad de este villano este basada en personajes tan influyentes y enigmáticos de nuestra civilización? ¿O simplemente refleja el polo opuesto del estilo de vida americano que profesa su enemigo kriptoniano?

Dinero mata carita
Lex Luthor, creado por Jerry Siegel y Joe Shuster, apareciendo por primera vez en 1940, en Action Comics #23 presentándose como un científico loco con cabello rojo; al siguiente año, en Superman #10, Siegel presenta a un Luthor calvo tal y como lo conocemos hasta el día de hoy. Este Luthor tiene su antecesor en Action Comics #14, un personaje llamado Ultra-Humanite, quien es calvo y que como el Profesor Xavier de los X-Men está confinado en una silla de ruedas. Aunque este nuevo Luthor tiene un parecido con el Doctor Sivana del Capitán Marvel, Luthor no es tan desquiciado como éste.

En los años sesenta en el origen de Luthor él es un admirador de Superboy, quien después de un accidente de laboratorio pierde su cabellera y se torna en contra del joven kriptoniano; algo parecido a lo que se ve en la serie televisiva Smallville, con la diferencia de que la causa de la calvicie de Lex fue la lluvia de meteoritos que acompañó a la nave que llevaba a Kal-El hacia la Tierra.

Tiempo después Luthor fue presentado como un racionalista quien simplemente sentía que merecía controlar y gobernar el mundo. Él envidia el poder físico de Superman y trata de igualarlo y superarlo mediante el uso de la tecnología, la ciencia y, por supuesto, dinero y poder. John Byrne, en 1986, dentro de la reestructuración del mito de Superman presenta a Luthor como un industrial rico maquiavélico y delincuente de cuello blanco.

Lex Luthor es la antítesis del Mesías reflejado en Superman. Mientras que el Hombre de Acero viene a salvarnos de las amenazas; Luthor muchas veces es quien las crea. Superman nos ofrece que lo más importante es la preservación de la Humanidad como especie y la convivencia pacífica entre los pueblos del globo.

Luthor, desea la dominación mundial, crea conflictos y trata a como de lugar de llegar a la supremacía total sin importar la muerte de millones de personas. Luthor es el Anticristo bíblico y mitificado en persona. Un ser carente de sentimientos que engañando a todos demuestra una megalomanía disfrazada como filantropía e interés hacia los desvalidos; todo esto para ser adorado y venerado tal como la Bestia del Apocalipsis.

Lex Luthor tiene dinero y poder, no es el clásico playboy de buen rostro pero obtiene cualquier cosa que desee gracias a sus influencias y a su economía; Superman y Clark Kent es un granjero, “cara de niño bonito” muy al estilo americano, porta su traje rojo con azul y no le interesa nada más que la salud e integridad de sus seres queridos y de sus conciudadanos; sacrificándose cada vez que Luthor atenta contra ellos y contra la paz. Tal parece que Superman es el Cristo redentor y Luthor el Satanás que con sus tentaciones materiales intenta persuadir al incauto mortal.

Referencias biográficas
Si hablamos de referencias para Lex Luthor encontramos además de la Bestia personificada del Apocalipsis a Aleister Crowley. ¿Quién es Aleister Crowley? Bueno, Crowley fue uno de los personajes de la época victoriana más notables dentro del rubro ocultista. Un miembro de sociedades secretas, con conocimientos de todo lo referente a lo oculto y paranormal; influenciado por Nietzche; quien a su vez profesaba la idea del Übermensch, o Súperhombre. Miembro del OTO (Ordo Temple Orientis), que la llevó de Inglaterra a América para convertirse en una organización masónica legítima. Crowley tenía fascinación hacia lo sexual y se dice que hacía rituales de ésta índole con carácter bisexual.

Crowley alegaba que tuvo contacto con Horus, dios egipcio solar, durante su estancia en el Cairo en 1904; profesaba que la Era de Horus estaba por llegar en la que los súperhombres surgirían para desterrar al débil de mente y cuerpo. Crowley escribió el Liber Al ó Libro de la Ley en el que anotaba: “La Compasión es el vicio de los reyes… Aplastar al afligido y al débil…Ésta es la ley del más fuerte, nuestra ley y júbilo para el mundo”.

La filosofía Nietzschista de Lex Luthor y su comportamiento son retratados en los cómics, pero sin catalogarla como tal. En cambio, en la serie televisiva Smallville es más abierta: Tanto muestran a Lex Luthor como su padre, Lionel Luthor, leyendo libros de Nietzsche dejando claro que el padre enseñó al jóven para entrenarlo en ideales Nietzschistas.

Aleister Crowley físicamente era calvo como Luthor, y uno de sus nombres de pila era Alexander. El apellido Luthor, podría venir de Martin Luther (o Martín Lutero), un religioso conocido anti-semita, y conociendo las raíces religiosas de Jerry Siegel y Joe Shuster y la connotación bíblica de Superman es indudable que Luthor viene del apellido de este personaje religioso del siglo quince.

Las opiniones de Luther sobre los judíos han sido descritas como antisemitismo racial o religioso o como antijudaísmo. En los inicios de su carrera pensaba que los judíos no habían creído en Jesús a causa de los errores de los cristianos y de la proclamación de lo que para él era un evangelio impuro. Sugería que responderían favorablemente al mensaje evangélico si se les presentaba de la forma adecuada. Cuando descubrió que no era así, atacó con furia a los judíos.

En su “Von den Juden und ihren Lügen” (Sobre los judíos y sus mentiras), publicado en 1543, escribió que debían realizarse contra los judíos acciones como quemar las sinagogas, destruir sus libros de oración, prohibir predicar a los rabinos, “aplastar y destruir” sus casas, incautarse de sus propiedades, confiscar su dinero y obligar a esos “gusanos venenosos” a realizar trabajos forzados o expulsarlos “para siempre”.

Cuatro siglos después de haber sido escritos, los nazis citaron los ensayos de Luther para justificar la Solución Final. Algunos estudiosos han atribuido la Solución Final nazi directamente a Martín Luther. Curiosamente, fue en esta época cuando el dúo de fé judía de Siegel y Shuster crean el arquetipo mesiánico y moderno del héroe conocido como Superman…

Dominación total
En cada representación que ha tenido Lex Luthor tanto en cómic, televisión y cine ha sido respetada su personalidad insensible, calculadora e insidiosa. Aunque el Luthor de Gene Hackman haya tenido su sentido de humor sarcástico nunca pierde su finalidad de conquistar y vencer al Hombre de Acero para llegar a ser el hombre más poderoso del planeta; mucho menos el Luthor que interpretó Kevin Spacey en Superman Returns. En la serie televisiva de los ochenta “Superboy”, se presenta a Lex Luthor como un joven que entra a un monasterio debido a un accidente de laboratorio que lo deja calvo.

Luthor siempre está dispuesto a mentir sobre sus creencias para cumplir sus objetivos. Él fingió la creencia en Dios (y no era el primer político en hacer eso) como parte de su complot por conseguir ser el Presidente elegido de los Estados Unidos en 2000. De hecho, podría ser argumentado que es mejor clasificar Luthor simplemente como "no religioso", porque los términos o condiciones como "el ateísmo" "o el agnosticismo" o cualquier otro "-ismo" no son de ninguna verdadera importancia para él. Si hay un villano al que temerle es a este hombre.